Как нарисовать натюрморт карандашом и акварелью (59 фото) - поэтапные мастер-классы для начинающих

Миф № 1: Всегда размещайте ваш объект на пересечении линий третей, или вдоль одной из линий

Теория, лежащая в корне этого правила, основана на идее, что ваше изображение будет более сбалансированным, если вы поместите свой главный объект на одну из точек пересечения линий третей, которую мысленно наложили на кадр. Однако, если вы хотите добавить некоторое не комфортное напряжение вашему снимку, попробуйте расположить объект у края рамки. Поскольку ваш объект находится не в типичном месте, он заставит зрителя остановиться и посмотреть еще раз.

На этом изображении не только горизонт очень низко, но также я поместил главные объекты в нижний правый угол фотографии, как будто они собираются покинуть кадр. Это придало снимку некое напряжение и тревогу.

X-T3 + XF50-140 ммF2,8 R LM OIS WR ФР 50 мм, ISO 160, 1/300, f / 16,0

В этом снимке я решил разместить горизонт ближе к верхнему краю кадра. Такая компоновка подчеркнула узоры на песке, а не небе. Поскольку линия горизонта очень высоко, это заставляет зрителя спросить: «Погоди, что я здесь пытаюсь найти?»

NIKON D800 + 24-70 мм f / 2,8 ФР 24 мм, ISO 100, 1/100, f / 16,0

К сожалению, в современном мире социальных сетей просмотр изображений с молниеносной скоростью является нормой. Любой шанс замедлить взгляд зрителя — это победа.

Сложности создания натюрморта

Без базовых знаний достаточно сложно создать красивую и интересную инсталляцию из неживых предметов. Без знания «матчасти» трудно зацепить своего зрителя, ведь чаще людям интереснее рассматривать фото других людей, особенно знакомых.

Необходимо продумать общую идею композиции, какой смысл вкладывается в нее, подобрать необходимые предметы, их фактуру и цвета, какой свет передаст нужное настроение.

Правильно выстроенную работу можно рассматривать долго, она будет интересна зрителю и обязательно привлечет внимание. Произведения известных художников до сих пор обсуждаются в сети и печатных изданиях

Общие правила расположения объектов

Я вам сейчас дам сухую теорию, которую вывели умные люди и совершенно не знали художники. Почему не знали? Потому что все правила в искусстве – законы природы. Но некоторые люди их видят и становятся великими художниками, а некоторые – нет. Сейчас можно научиться, а не рассчитывать на природные таланты.

Правило третей

Это самое легкое, что можно придумать. Если вы фотографируете, то и сами знаете это правило, ну или интуитивно видите, на каких фотках оно нарушается.

В рисунке все тоже самое. Лист делится на 9 частей, две линии по горизонтали и две по вертикали. Ели на картинке будет один объект, то его лучше располагать на линиях или в центральном секторе. Если несколько – на линиях. Горизонт, как правило, располагается на нижней горизонтальной линии.

Естественно, многие нарушают это правило. Но, чтобы идти против правил, нужно как минимум эти правила знать, как максимум иметь хорошее природное чувство гармонии.

Золотое сечение

Вариант для продвинутых. Но на самом деле он более интуитивно понятен, хотя и его и сложнее выучить. Мы представляем, что на любой прямой объекты должны находится на расстоянии 38 частей от одного края листа и 62 – от другого. Чтобы получить красивую улиточку, нужно лист делить в данном соотношении, пока не закончится место. Смотрите:

Золотое сечение само по себе – идеальная природная пропорция. На самом деле большая часть природных объектов соответствует этой рассчитанной пропорции. Это деревья, раковины моллюсков, волны… возьмите свои фотографии и в половине вы найдете эту улиточку.

В рисунке придерживайтесь расположения объектов по улитке, это очень прокачает ваше чувство прекрасного и гармонии. Кажется сложным, но глаз быстро привыкает, ведь это заложено самой природой.

Треугольники

Это вариант золотого сечения, но он проще и понятнее. Вы мысленно или физически делите лист на треугольники, из углов идут перпендикуляры.

Далее у вас в картине должно быть три акцента и каждый вы располагаете в пределах соответствующего треугольника. Такие картины будут смотреться гармонично, а от вас не будет требоваться ни расчетов, ни чертежей.

Это основные правила композиции, то есть расположения объектов на листе. Классно работают, если у вас от 1 до 3 акцентов в картине.

Ограничения

Что если в кадре просто нечего выравнивать по третям? Хоть и редко, но это может случиться в предельно абстрактных композициях. Однако «дух правила» по-прежнему можно применить: придав снимку ощущение сбалансированности, не сделав его при этом чрезмерно статичными и застывшим.

На примере справа в предмете нет ни единой линии, которую можно было бы выровнять по третям. Возможно, освещённый участок в форме буквы С может быть отнесён к верхней, средней и нижней третям, но это, вероятно, было бы притягиванием за уши. В любом случае снимок в среднем ярче слева, чем справа — по сути создавая децентрированную композицию.

КОМПОЗИЦИОННОЕ РАВНОВЕСИЕ

Композиционное равновесие в фотографии – это такое состояние формы, при котором все включённые в неё элементы сбалансированы между собой.

Зрительное равновесие достигается соответствующим распределением предметов и фигур в рамке кадра, распределением тональных пятен, а также смысловым взаимоотношением этих предметов и фигур.

Равновесие (или баланс) — является одним из наиболее важных элементов композиции, и в то же время одним из самых трудных для описания. Ведь по сей день нет стандартного способа его определения, хотя, есть несколько хороших рекомендаций и стратегий, которые помогут вам достичь баланса в ваших фотографиях. Но, помните, что они как и всё в искусстве — это вопрос личного предпочтения.

Простейшим примером композиционного равновесия является симметрия, в которой одна половина фотографии отражает другую половину. При этом, необходимо помнить, что визуальное равновесие по горизонтали гораздо важнее для восприятия, чем вертикальное. Другими словами, несмотря на то, что все основные объекты будут находиться в нижней или верхней части кадра, изображение будет казаться сбалансированным, при условии, что справа и слева кадр заполнен примерно одинаково.

Фото: «Фламинго» Steve AllenStone

Этот тип баланса фотографу очень легко скомпоновать, а зрителю понять. Так что, он может быть использован для создания очень мощного эффекта. Тем не менее, существуют две основные проблемы, связанные с использованием симметрии в качестве композиционной стратегии:

во-первых, создание сильной композиции с симметрией обычно требует идеальной симметрии, поэтому относительно небольшие различия в одной половине изображения могут быть разрушительными для уравновешенности снимка;
во-вторых, и, возможно, более важно то, что симметричные композиции обычно очень просты, предсказуемы и могут получиться скучными.

Фото: Guerel Sahin

Фото Matthew Gore Национальный парк Гранд-Титон, США

Гармоничная фотокомпозиция в пейзаже

Независимо от жанра фотографии, будь то портрет, натюрморт и т.д., данное правило применяется везде. Особенно стоит сказать об архитектурной и пейзажной съемке, где помимо верного распределения главных объектов, имеет значение линия горизонта. Итак, два нюанса:

Это должна быть в большинстве случаев именно прямая и горизонтальная линия границы неба и земли.

Слышали о выражении “горизонт завален” в какую-либо сторону? Так вот, старайтесь этого не допускать

Мы ведь не хотим получить падающего человека или здания в кадре! Для этого важно стабилизировать свое положение и камеру, также следить за обстановкой в видоискателе

Важно и то, где располагается линия, в какой области кадра – нижней трети или верхней. Как вы думаете, нужно оставлять больше места для земли или для неба? Правильного ответа нет, так как все зависит от конкретного случая: чем больше любопытных объектов или большая активность происходит в районе небосвода, соответственно, там нужно оставить больше пространства. Верно такое утверждение и в отношении наземной поверхности

Верно такое утверждение и в отношении наземной поверхности

Как вы думаете, нужно оставлять больше места для земли или для неба? Правильного ответа нет, так как все зависит от конкретного случая: чем больше любопытных объектов или большая активность происходит в районе небосвода, соответственно, там нужно оставить больше пространства. Верно такое утверждение и в отношении наземной поверхности.

Ниже приведем один из наглядных примеров классического использования данного правила в композиции. Взгляните, линия земли практически совпадает с одной из горизонтальных линий в сечении. Граница находится внизу, большую же часть – две трети – занимает великолепное облачное небо.

Особенности съемки натюрмортов

Преимущество работы с натюрмортами состоит в том, что вам не придется подыскивать какое-то особенное место для съемочного процесса или гору профессионального оборудования. В качестве локации подойдет даже домашняя обстановка: выберите освещенное дневным светом место или воспользуйтесь вспышкой, подберите и самостоятельно соорудите подходящий фон — и можно снимать.

В отличие от съемки, например, портретов и пейзажей, вам потребуется намного меньше дополнительных деталей. Но самым главным отличием является то, что для работы у вас будет столько времени, сколько вам нужно, ведь взаимодействовать с предмета намного проще: их можно переставлять, убирать лишние, добавлять новые, пробовать бесконечное количество ракурсов и воплощать любые задумки. С людьми, энергетические ресурсы которых ограничены, таких возможностей в съемке не будет.

В фотосессии людей, животных или ландшафтов фотографам часто приходится делать все чуть ли не на бегу, а с неживыми объектами все иначе: вы можете продумать каждую мелочь и создать действительно идеальный снимок.

Кроме всего прочего, съемка натюрмортов всегда ценилась в коммерческой фотографии, поэтому хорошие снимки могут приносить не только эстетическое удовольствие, но и неплохую прибыль. В современном мире выпускается все больше журналов, каталогов и других изданий различной направленности, в которых необходимо демонстрировать самые разнообразные предметы и товары: продукты и готовые блюда, напитки, аксессуары, одежду, предметы интерьера и многое другое. Подобные фотографии можно самостоятельно продвигать в Интернете, используя специальные биржи и прочие ресурсы.

Презентация на тему: » «Правила и средства построения композиции при выполнении натюрморта»» — Транскрипт:

«Правила и средства построения композиции при выполнении натюрморта»

Натюрморт- один из жанров ИЗО Натюрморт (мертвая природа, натура) — жанр изобразительного искусства, или произведение этого жанра. Натюрморт состоит не только из неодушевленных предметов, но и включает природные формы.

Основные понятия: 1.Жанр(фр. nature morte — мертвая натура)- область искусства с ограниченным кругом тем. 2. Живопись (от рус. живо и писать) – вид изобразительного искусства, заключающийся в создании картин, живописных полотен, наиболее полно и жизнь подобно отражающих действительность. 3. Композиция (лат. Composition– составление, сочинение) – составление, соединение, сочетание различных частей в единое целое в соответствии с какой-либо идеей. 1. Натюрморт — традиционный жанр станковой живописи.

Средства композиции : 1. Форма 2. Пространство 3. Композиционное пространство 4. Симметрия и асимметрия 5. Динамика и статика 6. Цвет 7. Светотень 8. Контраст 9. Ритм 10. Равновесие 11. Декоративность 12. Целостность

Средства композиции : 1. Формат вертикальный горизонтальный 2. Пространство одноплановая композиция 3. Композиционный центр совпадает с центром полотна смешен от центра 4. Симметрия и асимметрия 5. Динамика и статика 6. Цвет 7. Светотень 8. Контраст 9. Ритм 10. Равновесие 11. Декоративность 12. Целостность

Какой вид композиции использовал художник? 1. Уравновешенная композиция 2. Неуравновешенная композиция

Какой вид композиции использовал художник? 1. Уравновешенный

Контраст

Контраст цветной светлотный

Какой это контраст?

Какой это контраст? ( цветовой )

Светлотный и цветовой контрасты в натюрмортах 1. Светлотый натюрморт 2. Цветовой натюрморт

Локальный цвет в натюрморте Какой из этих натюрмортов имеет однотонный цвет? 1.2.

Локальный цвет в натюрморте Какой из этих натюрмортов имеет однотонный цвет? (ответ 1). 1.

Схема получения цвета тени

Воздействие окружения на локальный цвет

Натюрморт ( цветовой натюрморт )

Проблема урока. Что такое «живая природа»? Что такое «мертвая природа»? Что натюрморт может рассказать о человеке? Задача урока. 1. Развитие творческого мышления, воображения детей. 2. Использование известных учащимся техник в работе с материалами: гуашь,акварель,пастель.

Введение в проблему. -Вспомните, какая вода в сказках называлась «живой»,а какая «мертвой»? -Пофантазируйте, что будет, если брызнуть «живой» водой на срезанный увядающий цветок? На яблоки, сорванные с деревьях? Предложите свои варианты. -Природа живет и развивается,растения растут, фрукты созревают на деревьях. Если цветок сорвать, что будет с ним? Если яблоко или грушу сорвать с дерева недозрелыми?

Вопросы для общения. -Как вы понимаете понятие «мертвая природа»? -Приведите примеры «мертвой природы». Рассуждение. Цветы на клумбе и в вазе – где живая природа,а где мертвая?Что может изобразить пейзаж?Что может изобразить натюрморт?

Самостоятельная работа над натюрмортом с натуры: 1. Изучить натюрморт. 2. Выбрать расположение формата. 3. Компоновка предметов на плоскости листа бумаги. 4. Построение предметов. Передача формы и характерных особенностей предметов. 5.Подмалевок. 6. Уточнение деталей и завершение работы в цвете.

1-й этап: компоновка и построение предметов Выполнение рисунка тонкими линиями: прорисовывают невидимые части предметов, намечают границы света и тени.

2-й этап: подмалевок Сначала наносят основной на предметах и драпировках, соблюдая тональные изменения цвета на свету и в тени

3-й этап: завершение работы в цвете Завершение работы. методом лессировки добиваются впечатления материальности керамики, яблока и драпировок. Для бликов на посуде используются белая бумага. Прорисовывают детали, обобщают цветовое решение натюрморта для достижения цельности.

Работы художников в жанре натюрморт

Перегружена ли картина?

Некоторые картины кажутся симметричными, а некоторые вызывают удивление. Как полотно еще не накренилось? Это больше касается картин, где изображено большое количество объектов. Самый простой пример – натюрморт или баталии.

Самый банальный способ уравновесить вашу картину – расположить объекты треугольников. Один центральный и равномерно вокруг более мелкие объекты. Помните, что излишняя симметрия делает картину скучной.

Второй вариант хорошо работает в цветах. Расположите все объекты по кругу. Такая картина точно будет симметричной, особенно если вы не будете искусственно что-то выделять.

Диагональ или линия. Вот здесь хочется что-то положить на другой край картины, она выглядит несимметричной. Такая композиция тоже много где используется, но художники уравновешивают ее другими способами, а для новичков не рекомендую.

Если вы только начинаете рисовать, то старайтесь уравновешивать картину, при этом избегая излишней симметрии. И не забывайте про акценты.

Небольшие объекты и масштаб

Иногда визуальное равновесие в кадре зависит от того, в каком масштабе мы изучаем изображение — ведь важные детали (которые могут сместить композиционное равновесие) могут быть не заметны с первого взгляда. На первый взгляд звучит слишком запутанно, но на практике всё гораздо проще.

Посмотрите на кадр ниже. Если рассматривать его в малом масштабе, например с телефона или планшета, молния слева незаметна, и облака в этом случае смещают равновесие в кадре в правую сторону. Но как только зритель смотрит на фото более пристально, оказывается, что кадр выстроен верно.

Ниже — еще один пример. На первый взгляд, этот спокойный пейзаж очень сложно скадрировать так, чтобы он был визуально сбалансирован. При малом масштабе правая сторона кадра «перевешивает» за счёт более тёмного и контрастного леса

Однако, при изучении фотографии в 100% масштабе, становится видно небо слева, заполненное яркими звёздами, и мгновенно привлекающее внимание зрителя

Воистину, «дьявол кроется в мелочах»! И то, насколько быстро мы заметим эти мелочи, зависит от масштаба, в котором мы изучаем изображение.

Правило «золотого сечения»

При компоновке кадра с объектом, смещенным относительно центра, можно руководствоваться правилом»золотого сечения». Суть этого правила состоит в следующем:

Прежде чем сделать снимок, представьте кадр, разделенный на три части по горизонтали и вертикали. В точках пересечения воображаемых линий и следует размещать сюжетно важные детали снимаемой сцены. Конкретное место размещения объектов зависит от типа объекта, его размеров и замысла фотографа.

В данном случае для размещения объекта съемки выбрана верхняя правая точка, чтобы сделать видимой тень и цепочку следов чайки.

Маяк помещен в правой верхней трети кадра, чтобы в поле зрения наблюдателя попали часть местности, освещаемая маяком.

А вот, другой пример полного контроля фотографа над снимаемой сценой. Фигура человека может быть в любом месте кадра. Применение правила «золотого сечения» в данном случае оставляет для человека достаточно места для движения вперед.

При выборе композиции всегда нужно учитывать путь следования движущихся объектов и оставлять им пространство для продолжения движения.

Если не следовать этому совету, то может возникнуть впечатление, что девочка вот-вот выбежит за рамку кадра.

Поместив объект в левую часть кадра, мы воспользовались правилом «золотого сечения» и оставили достаточно пространства для того, чтобы бегущий не успел выбежать за пределы кадра, пока мы его рассматриваем.

Вот еще один пример того, насколько важнее оставить свободное пространство перед объектом, чем позади него.

Правило»золотого сечения» можно использовать для выбора положения линии горизонта на фотографиях. В данном случае лодка и линия горизонта находятся в центре кадра, из-за чего снимок кажется статичным.

Переместим линию горизонта вверх на уровень одной трети кадра по высоте, а лодку сместим влево также на одну треть кадра. Помните о том, что это лишь рекомендации, и если вам не нравится такое размещение объектов, попробуйте альтернативный вариант. У вас есть выбор!

Например, выберите такой вариант композиции. Горизонт находится на линии первой нижней трети кадра. Вообще, линию горизонта можно располагать в любой трети кадра и лишь изредка в центре.

Как и линию горизонта, вертикальные линии следует располагать в стороне от центра. На снимке слева, например, мачта опоры находится в центре, а на правом снимке фотограф нашел более удачную композицию, сместив точку съемки так, что мачта оказалась смещенной вправо.

Выразительные средства композиции

Восприятие художественного произведения напрямую зависит от его композиции, поэтому важно уметь ее выстраивать, пользуясь художественными средствами: линией, штриховкой, тональными и цветовыми пятнами, перспективой и светотенью. Они помогают не только распределить предметы в пространстве, установить соотношения объемов, света и тени, но и точно передать задумку автора

В живописи отдельные композиционные приемы позволяют достичь наибольшей выразительности картины, раскрыть многогранность содержания. Это может быть ритмическое построение, где все элементы произведения упорядочены, согласованы и подчинены четкому ритму, заданному художником. В выстраивании композиции изображения задействованы различные изобразительные средства, такие как формат холста и размер изображения, фокусная точка, обрамление, температура цветовых сочетаний, глубина и ракурс, контрасты и ритм.

Расположив изобразительные элементы на картине определенным образом, можно наиболее полно передать замысел, привлечь внимание зрителя. Для этого необходимо выстроить композицию так, чтобы все объекты были переданы наиболее выразительно

Отбросив все лишние детали, оставить только самое необходимое. Подчеркнуть внутреннее содержание всем образным строем картины.

Работаем с равновесием

Для того, чтобы управлять визуальным равновесием в кадре, сперва нужно оценить, какие именно объекты привлекают взгляд наблюдателя и как далеко они отстоят от центральной оси

Обратите внимание, что даже малозначительные объекты, будучи расположенными у края кадра, привлекают меньше внимания, чем если бы они располагались вблизи от центра

Теперь можно выстроить композицию на свой вкус, смещая баланс в правую или левую часть кадра, или полностью помещая ненужные объекты за границы кадра.

Несомненно, тут нужна практика, но стоит попробовать — и вам многое станет понятно. Новички почти всегда интуитивно помещают объект съёмки в центр кадра. Мы стремимся компоновать кадр верно под влиянием художественного «чутья», а опыт лишь помогает нам добиться успеха в сложных случаях.

Чтобы выглядеть завершенным, кадр, разумеется, не должен быть уравновешен до миллиметра, но все же стоит помнить о том, что фото со смещенным визуальным центром тяжести может вызвать непонимание у зрителя. То, что наблюдатель чувствует напряжение при взгляде на такое изображение — не обязательно отрицательный момент (всё зависит от идеи снимка), но этим приемом нужно быть очень осторожным.

Несимметричное равновесие

Сбалансированная фотография не обязательно должна быть симметричной

Посмотрите на пример ниже: солнце — главный объект на правой половине кадра, но волны прибоя также сильно привлекают внимание зрителя в левой части

В большинстве случаев всё далеко не так очевидно, как на этом примере. Одну из сторон кадра может занимать единственный большой объект, а противоположную — уравновешивать несколько поменьше. Или же объект съемки может быть настолько большим, что, занимая всю площадь кадра, тем самым будет уравновешивать его сам.

В любом случае, помните — у правильно выстроенного композиционно кадра нет тяжелых, перевешивающих акцентов, внимание зрителя распространяется по всей площади равномерно

Выдержка и диафрагма

Зачем нужны выдержка и диафрагма? Давайте начнем с выдержки. Выдержка – это время на которое открывается затвор вашей камеры. Чем она короче, тем больше в цифровом эквиваленте. Например выдержка 1/128 в два раза короче, чем 1/64 и в четыре раза короче чем 1/32. Чем больше выдержка в цифровом значении, тем меньше по времени открыт затвор и тем меньше света попадает на матрицу. Снимок получается темнее. И наоборот, чем длиннее выдержка, тем меньше цифра и света попадает больше. Но здесь есть один подводный камень.

Чем длиннее выдержка, тем больше шансов получить не резкий снимок из-за тряски рук или движения объектов в кадре. Поэтому, если снимаете на объектив 50 мм без стабилизатора, то старайтесь не допускать выдержку длиннее, чем 1/64 на полном кадре или 1/80 на кропе. При наличии стабилизатора эти значения могут доходить до 1/15 секунды.

При съемке на объектив с фокусным расстоянием 24 мм, ставите выдержку не длиннее 1/32. То есть принцип таков – в цифрах выдержка не должна быть меньше длины фокусного расстояния объектива. Компенсировать недостаток света приходится за счет открытия диафрагмы или повышения ISO. Все выше сказанное, справедливо для устранения не резких кадров именно из-за тряски рук, так называемой шевеленки.

Однако, если вы снимаете спортивные состязания или движущиеся объекты, то здесь необходимо фотографировать на выдержках от 1/250 секунды и короче. Спорт также снимают на выдержках от 1/500 и выше. Вы скажете зачем так заморачиваться? Ведь в современных камерах есть режим «спорт» и дело в шляпе.

Конечно, переключившись в этот режим вы получите хорошие снимки, но среди них будут проскакивать и неудачные по качеству. Причем много. Если хотите стать профессионалом, то вы должны снимать с минимальным количеством брака.

Масштаб и пропорции

Если сравнить графическую работу и монументально-декоративное произведение, сразу становится ясным как влияет масштаб на форму композиции. С увеличением масштаба повышаются требования к уравновешенности и целостности композиции.

Если рассматривать масштаб внутри композиции, то соотношение между элементами регулируется пропорцией. Масштабная пропорциональность как средство композиции применяется фактически постоянно, в любой упорядоченности фигур или предметов.

Масштаб и пропорция являются главными средствами передачи перспективы — уменьшение элементов в глубину картины создает ощущение пространства.

Применение данных правил

Когда вы знаете, как направить внимание зрителя на отдельные элементы изображения, напрашивается вопрос о том, что же именно нужно попытаться выделить. Как понять, к каким элементам сцены данные правила должны быть применены?. Подумайте о точках фокуса в изображении

Пытаетесь ли вы привлечь внимание зрителя к определенной черте пейзажа? Глазу модели? Продукту? Композиционные элементы не должны ограничиваться такими явными вещами, как тычинки цветка, или ювелирное изделие, говоря о рекламе продукта. Подумайте об использовании изменений цвета и текстуры или негативном и позитивном пространстве применительно к данным правилам

Подумайте о точках фокуса в изображении

Как и в случае с любой техникой, чтобы ею овладеть, необходимо постоянно практиковаться. Начните с правила третей (его проще всего визуализировать) и попробуйте произвести кадрирование изображения через видоискатель или ЖК дисплей, памятуя о нем. Это прекрасный способ научиться «видеть» композиции и начать усваивать технику.

Правила золотого сечения и диагоналей, наиболее вероятно, будет проще практиковать через кадрирование при пост-обработке. Немногие из нас (если вообще кто-то) смогут представить вложенные друг в друга прямоугольники во время съемки, например. Многие популярные графические редакторы даже дают возможность накладывать на кадр специальные сетки для кадрирования по этим композиционным техникам, что сильно облегчает их использование.

Разумеется, эти правила являются лишь выборкой из множества техник, имеющихся в вашем распоряжении для получения приятной композиции. Другие сформулированы на основе идеи цветового баланса, выборочного фокуса, отношения переднего плана к заднему, кадрирования, геометрии…список можно продолжить. Представленные мной правила являются хорошей отправной точкой для критического осмысления композиции.

Я настоятельно рекомендую эти правила как полезные инструменты для создания динамичных и интересных изображений. Но, как и в случае с любой творческой деятельностью, их следует воспринимать как предложения, а не как строгую догму.

Да, их стоит осознанно применять какое-то время, но не позволяйте им быть единственными голосами, к которым вы прислушиваетесь во время вашего творческого процесса. Более того, именно понимая теорию, лежащую в основе данных правил, вы можете порой создать удивительные изображения, умышленно нарушая их. Эту тему я освещу в своей следующей статье. Оставайтесь с нами.

Автор статьи: Томас Парк – фэшн-фотограф, фотохудожник и педагог из Сиэтла, штат Вашингтон. Чтобы ознакомиться с его работами, пожалуйста, посетите сайт.

Правила цвета в живописи

Чтобы научиться рисовать легкий натюрморт, можно придерживаться классического правила, которое ограничивает количество используемых в одной картине цветов до 2-3-х.

Это не означает, что придется раскрашивать такой разноцветный мир всего двумя красками, но общая гамма их многочисленных оттенков должна создать богатое по колористике произведение.

К ограниченному числу основных красок прибавляется несколько дополнительных, только для получения удачных цветовых сочетаний и прорисовки объема деталей.

Например в натюрморте с осенними фруктами можно использовать в качестве основных цветов желтый и голубой, а с помощью дополнительных получить оранжевые участки на яблоках и грушах, фиолетовые и темно-синие на сливах и заднем плане.

Тени на желто-оранжевом фоне можно показать с помощью синего или фиолетового тонов, а перспективу оживить несколькими желтыми мазками.

Очень натуральным и нежным может получиться весенний натюрморт с использованием только зеленого и белого цветов в качестве основных, а несколько их оттенков разнообразят впечатление от картины, особенно если в них добавлены теплые розоватые мазки.

Сложнее всего правильно распределить оттенки в таких многоцветных картинах, как натюрморты с цветами или фруктами.

Здесь сложно обойтись ограниченным количеством колеров, а это означает, что нельзя всем цветам давать равные возможности и выбрать из них 2-3 доминирующих, оставляя другим роль вспомогательных.

Расположение предметов

Более красиво, гармонично и интересно, объемно всегда смотрится натюрморт:

в котором все предметы как-то перекрывают друг друга. Например, как на фото ниже,
Все объекты пересекаются, перекрывают друг друга.

или между предметами есть видимое расстояние.
Здесь все предметы расположены достаточно далеко друг от друга.

Хорошо и комбинировать эти два вида расположения: перекрытие и расстояние.

Примеры расположения предметов

Все предметы перекрывают друг друга, или расположены на большом расстоянии один от другого.Векторная иллюстрация. Здесь также все предметы пересекаются, налагаются, или расположены на большом расстоянии.

Скучное и нескучное расположение предметов

Если одинаковые по форме и размеру предметы расположить на одинаковом расстоянии вы получите достаточно скучную сцену.
Если вы расположите предметы в ряд, ровно как под линейку, на такой натюрморт смотреть будет скучно, неинтересно. Глядя на вашу работу зрителю не за что будет зацепиться.
Если немного подвигать те же предметы получим совсем другой результат.

Даже прямоугольники можно расположить интересно.Композиция с прямоугольниками

Пространство

Если вы рисуете просто вазу с цветами, и кажется нечем перекрывать, подумайте!

Возможно какой-то листик упал перед вазой, а может цветок, возможно следует застелить салфетку или скатерть, а может рассыпать ягоды по столу.

Для примера работа Александра Сергеева:

Картина натюрморт. Автор А. Сергеев

На переднем плане листики и цветок. Эти, на первый взгляд незначительные элементы, ведут взгляд зрителя от самого переднего края плана, сначала к упавшему цветку, потом к стакану с вазой, создавая пространство, делая работу более интересной.

Используйте элементы, которые дополняют друг друга

Вы, должно быть, слышали о взаимодополняющих цветах, но слышали ли вы о взаимодополняющих элементах дизайна? Один из ключевых элементов удачной и эффективной композиции — это тщательный, целенаправленный подбор каждого объекта дизайна, в котором все должно превращаться в единое целое.

Типичная ошибка при создании композиции — это использование изображений, которые не дополняют друг друга. Поэтому, когда вы решаете использовать несколько изображений, всегда проверяйте, оказывают ли они должное воздействие на зрителя, и существует ли между ними необходимая связь. Вот несколько способов достижения этого эффекта.

Используйте снимки из одной фотосессии. Это невероятно легкий способ удостовериться, что изображения будут связными, учитывая, что они сделаны в одном стиле и принадлежат к одному направлению. Например, дизайнеры Jekyll & Hyde и Елена Бонаноми используют данный прием в одном из разворотов журнала Must.

Изображения должны быть в одной цветовой гамме. В настоящее время существует широкий выбор разнообразных фильтров и инструментов для редактирования фотографий, которые помогут вам сделать так, что выбранные изображения будут принадлежать к одной цветовой гамме, и, следовательно, будут взаимосвязанными. A is a Name сделал свой постер полностью черно-белым, чтобы добиться цветовой связи между объектами.

Выбирайте похожие снимки. Старайтесь комбинировать изображения со сходными параметрами и стилем. Например, если одна из фотографий сделана в минималистическом стиле, необходимо использовать подобные снимки. Ниже приведено дизайнерское решение Feint, где во всех подобранных изображениях можно наблюдать определенные «неровности» — разнообразные текстуры, древесные мотивы и холодные оттенки.

Создание хорошего макета также предполагает правильное сочетание текста и графики, где эти элементы взаимодополняют друг друга. Каждый шрифт в различном окружении имеет определенные оттенки и ассоциации — к примеру, четкий, курсивный шрифт с множеством завитков может ассоциироваться с элегантностью и утонченностью. Поэтому старайтесь подбирать шрифт в зависимости от собственных целей и замысла.

Взгляните на постер Адама Хилла для «праздника в честь запутанных отношений между татуировками и старым добрым рок-н-роллом», где мы наблюдаем сочетание традиционных винтажных изображений с заголовком в полужирном курсиве и основного текста, также написанного полужирным шрифтом и с засечками. Шрифт же, использующий тонкие изящные буквы без засечек, вряд ли бы подошел грубоватой рок-н-ролльной графике, и вероятно, не произвел должного эффекта.

Равновесие или дисбаланс?

Визуально сбалансированный кадр выглядит более завершенным, чем фотография, где одна сторона визуально перевешивает. Последний кажется зрителю неспокойным, напряженным. Посмотрите на две абстрактных иллюстрации ниже.

Большинству зрителей изображение слева покажется более гармоничным, в то время как композиция правого создает впечатление того, что в расположении фигур вот-вот что-то изменится, они нестабильны.

Несомненно, разные люди могут видеть кадр по-разному: для многих отсутствие равновесия оживляет кадр; для других же равновесие в кадре придает чувство целостности и завершенности. Всё зависит от атмосферы, которую вы хотите передать на фото.

Соотношение сторон кадра

Легко застрять в колее и делать каждый снимок с горизонтально расположенной камерой. Попробуйте вместо этого повернуть её, чтобы получить вертикальный снимок, отрегулируйте своё положение или настройку масштабирования при экспериментировании с новым стилем. Вы можете улучшить как горизонтальные, так и вертикальные снимки, обрезав фотографию позже.

В конце концов, было бы слишком странно, если бы все реальные объекты соответствовали пропорциям сенсора вашей камеры. Попробуйте обрезать до 16:9 для широкоэкранного эффекта или до квадратной формы, используемой камерами среднего формата.