Фотосъемка в сидячем положении
Не стоит думать, что сделать фото в сидячем положении намного проще, нежели стоя. В таком положении сложнее сделать интересный и завораживающий снимок, однако если придерживаться советов, то с легкостью можно будет пополнить свое портфолио несколькими фото в положении сидя. Первое о чем следует всегда помнить – это осанка. Она должна быть прямой, даже если вас просят немного наклониться вперед. Как говорит сама Тайра Бэнкс:
Многих моделей волнуют большие бедра в то время когда они садятся. Чтобы избежать ненужного визуального прибавления килограмм достаточно сесть немного боком и перенести вес на бедро, расположенное ближе к камере. Если ставить ногу на полную стопу, тогда сложно будет добиться в кадре утонченности, легкости и женственности. Профессиональные модели ставят ногу упирая на пальцы, таким образом, нога становится немного приподнятой, а соответственно и стройнее.
Барбара Палвин позирует на стуле
Ракурс
Художник может изобразить человека на полотне:
- в полный рост (Валентин Серов «Портрет актрисы Ермоловой»);
- по колени (Рембрандт «Портрет старика»);
- по бедра (Брюллов А.П. «Портрет Н.Н. Пушкиной»);
- по пояс (Луи Токке «Портрет дофина Людовика»);
- по грудь (Аргунов Иван «Портрет неизвестной крестьянки в русском костюме»).
На портрете может быть разное положение головы:
- в анфас — когда модель смотрит прямо (Иван Крамской «Портрет крестьянина»);
- в четверть поворота направо или налево (Илья Репин «Портрет композитора М.П. Мусоргского»);
- в три четверти (Караваджо «Святая Екатерина Александрийская»);
- в профиль (Сандро Боттичелли «Женский портрет»).
На выбор ракурса и положения влияет обстановка, соотношение света и тени, и задумка самого живописца.
Часто задаваемые вопросы
Я никогда раньше не фотогрофировал. Мне подойдет курс?
Да, подойдет. Наш курс рассчитан как на новичков, так и на людей с опытом.
Программа построена таким образом, что вы будете погружаться в профессию
постепенно – начиная с базовых понятий, шаг за шагом осваивая все более
сложные и интересные инстурменты работы.
В случае, если вы плохо поймете какую-то тему, вам помогут в ней разобраться
опытные наставники, которые будут курировать вас на протяжении всего курса
Я уже опытный фотограф, стоит ли мне идти на обучение?
С большей вероятностью, да. На курсе вы не только улучшите свои навыки
в фотосъемке, но и значительно увеличите свой доход.
Темы, освещаемые в курсе, более подробно раскрыты в разедел “Программа”
Сколько длится обучение?
Курс расчитан на 3 месяца, но вы можете двигаться в удобном вам темпе.
Записи уроков буду доступны и после его завершения
Смогу ли я совмещать курс с работой или учебой?
Легко! Вы можете смотреть уроки и выполнять задания в удобное вам время.
Курс расчитан на то, чтобы вы могли без труда совмещать учебу с другими
важными делами
Кто будет проверять домашние задания?
Ваш персональный куратор. Это человек с большим опытом в фотографии,
который сам каждый день использует знания, которые вы получаете на курсе.
Он будет не просто проверять вашу “домашку”, его задача – помочь вам
по-настоящему разобраться в каждой теме и избежать ошибок в работе
Диего Веласкес
Диего Веласкес – живописец из Испании, придворный художник Филиппа IV. Веласкес начал учиться живописи, когда ему было десять лет.
Уже в восемнадцатилетнем возрасте художнику удалось открыть собственную мастерскую: в этом ему помог Франсиско Пачеко, его учитель.
В начале творческого пути Веласкес изображал натюрморты, различные кухонные сценки. Особенностями этих картин стали цветотени, насыщенность цвета.
Потом мастер переехал в столицу Испании и стал придворным живописцем. Он не только писал заказные парадные портреты, но и старался запечатлеть самых несчастных, униженных людей: уродцев, шутов, карликов.
Известные портреты: «Трактирщик», «Старая кухарка», «Портрет короля Испании Филиппа IV в доспехах», «Портрет дамы с веером», «Шут Хуан Австрийский».
Избегайте описаний
Когда вы теряетесь в потоке мыслей, всегда хочется отступить к очевидному, что и так визуально проявляется в работе. Но это не помогает зрителю понять картину шире. Художник-самоучка Уго Макклауд рассказывает, что он отказывается от желания описать – для этого у него всегда есть “точка возврата”, к которой можно уйти во время разговора. «Я знаю, что мне удобно начинать разговор, рассказывая о моем процессе». Поэтому, если ему кажется, что он отклоняется от темы в ходе посещения студии или обсуждения в галерее, Макклауд возвращается к своему процессу, чтобы развернуться в нужное русло.
Кэтрин Хоу, художница и директор программы критических исследований Нью-йоркской академии искусств, говорит, что ещё большим испытанием является попытки “осветить визуальную работу с помощью языка, который приносит новые ассоциации, семейные связи и неожиданное понимание”. Поэтому она учит своих учеников тратить время на разговоры о вещах, которые не очевидны в работе, подобно тому, как Макклауд фокусируется на закулисной работе.
Оплата труда
Доходы художника зависят от места его работы, специализации, востребованности и известности. У свободных художников нерегулярный доход: годами они могут ничего не зарабатывать, а потом за одну картину получить огромный гонорар. Художники, работающие в штате, например, в издательстве, полиграфической или дизайнерской компании могут рассчитывать на зарплату от 20 до 70 тысяч рублей в месяц в зависимости от величины фирмы и объёмов выполняемых работ.
Ступеньки карьеры и перспективы
У свободного художника для успешной карьеры нет иного выхода, как стать гениальным и признанным ещё при жизни. Как говорится, первую часть жизни человек работает на имя, а вторую часть — имя на человека. Выдающиеся картины ценятся очень высоко и с появлением ИМЕНИ стоимость картин увеличивается многократно. К некоторым успешным художникам очередь из заказчиков стоит годами.
Один из способов сделать успешную карьеру — открытие собственного художественного салона или профессиональной студии. Возможна и научно-преподавательская карьера в этой профессии.
Профессиональные знания и навыки
От квалифицированного художника-живописца требуется знание:
- теории изобразительного искусства;
- техники, стилей, видов и различных жанров изобразительного искусства;
- законов рисунка, живописи, композиции, графики;
- истории русского и зарубежного искусства;
- теории и истории искусств;
- цветоведения и светооформления;
- принципов восприятия человеком художественного произведения;
- исторических и современных технических и технологических процессов при создании картин;
- экспертных и реставрационных работ в различных видах искусства.
Профессиональные качества и навыки в сфере художественно-творческой деятельности:
- владение различными техниками и технологиями изобразительного искусства;
- умение создавать на высоком профессиональном уровне художественные произведения;
- способность профессионально использовать художественные инструменты и материалы, техники и технологии;
- знание особенностей различных исторических стилей и направлений в архитектуре и искусстве: ренессанс, барокко, классицизм, рококо, готика;
- знание важнейших принципов светового оформления спектакля;
- знание основных памятников церковной росписи и архитектуры (мировых и древнерусских);
- знание иконографии и библейской истории, происхождения орнаментов и шрифтов;
- умение пользоваться архивными материалами с целью изучения и воспроизведения известных картин;
- владение различными видами и техниками монументального искусства (мозаика, фреска, сграффито, витраж);
- умение формулировать устно, письменно и с помощью средств изобразительного искусства свой творческий замысел, процесс его созидания и идею авторского произведения;
- знание техники безопасности при работе с художественными инструментами и материалами, на строительных лесах, театральной сцене и в съёмочных павильонах.
Устраняем волнение!
Свадебная фотосессия должна остаться в воспоминаниях пары как веселый, нежный или романтичный момент самого важного дня, но ни в коем случае не как еще одно его испытание! Получить положительные эмоции вместо стресса удастся, только если устранить волнение.1. Согласуйте с фотографом распорядок дня.
Опытный свадебный фотограф поможет скорректировать план дня и своевременно сообщить, насколько реализуемы ваши задумки
Например, плохим вариантом будет запланировать фотосессию сразу в нескольких локациях, да еще отдельно — с гостями и без. Это отнимет много часов и порядком всех вымотает. Лучше ограничиться какой-то одной идеей.2. Не думайте о позировании.
Статичные позы у непрофессиональных моделей редко хорошо выглядят в кадре. При этом надуманное позирование отнимает у вас возможность отдаться эмоциям, подарить второй половинке искренние взгляды и поцелуи, проникнуться моментом близости. Вымученные фотографии в «позе статуи» получаются настолько неестественными, что пары иногда себя даже не узнают на снимках.
Просто доверьтесь профессионалу, не зря же вы выбрали именно его фотографом на свадьбу. Делайте, что захотите, и ведите себя так, как велит настроение: мастер поймает в объектив все яркие моменты, а главное — они будут живыми и настоящими.3. Подготовьте реквизит и придумайте возможные сюжеты фотографий.
Чаще всего и жених, и невеста не знают, «куда деть руки» в кадре. На самом деле все просто: невеста может занять ладони букетом, а жених — объятиями с невестой.
Избежать ступора перед камерой позволит подготовленная заранее фотозона с обилием реквизита. Можно даже разыграть небольшую сценку: например, устроить пикник в парке или отправиться на пляж побродить по кромке воды.4. Не стесняйтесь говорить о своих страхах.
Расскажите честно, как для вас важна эта съемка и как вы на самом деле нервничаете. Во-первых, у опытного свадебного фотографа немало «фишечек», позволяющих раскрепостить пару. Во-вторых, он будет знать, что вам нужно привыкнуть к камере и на фотосессию лучше выделить побольше времени. В-третьих, фотограф наверняка постарается помочь и подскажет, как удачнее расположиться в кадре.5. Попросите фотографа показать, что получается.
Не стесняйтесь попросить показать отснятый материал на дисплее фотокамеры. Вы наверняка увидите, что выглядите прекрасно, фотографии красочные, а ракурсы — удачные. И это будет гораздо красноречивее, чем любые подбадривающие речи.
Если вы все же чувствуете, что «положительного настроя» явно недостаточно, чтобы расслабиться перед объективом, проведите с выбранным фотографом предсвадебную фотосессию — Love-story, студийную съемку или просто романтическую прогулку.
Осенний макияж невесты 2018 — главные тренды
Макияжные тенденции осени 2018 года подойдут смелым, уверенным в себе невестам, которые не боятся воплощать в образе всю свою индивидуальность. Но в т…
ТОП-5 стилей для свадебной церемонии осенью
Палитра оттенков осени навеяна самой природой: желтые и оранжевые, красные и бордовые, коричневые и зеленые. Какие свадебные стили отлично вписываются…
Самые популярные осенние свадебные прически: как блистать и не думать о погоде
Капризная погода межсезонья заставляет невест выбирать сдержанные, хорошо зафиксированные лаком или техникой плетения прически. Но остается немало сти…
Будьте честным
Многим художникам трудно решить, “почему” они приняли то или иное решение во время работы: почему здесь выбрана такая кисть, а здесь такая краска. Творческое выражение – это интуитивный процесс.
Художник Натаниэль Мэри Куинн сказал, что на ранней стадии своей карьеры он часто беспокоился, что не будет выглядеть умным, если у него не будет ответов на все вопросы о его работах. Теперь же, после многочисленных выставок, Натаниэль говорит, что легче выглядеть осведомлённым, когда ты знаешь о чём говоришь, чем когда ты притворяешься экспертом в чём-то “не своём”. Он стремится быть честным и подлинным.
Смысл образа главного героя
Чартков не только гений, потерявший свой талант. Этот образ двойственен: в начале произведения молодой художник вызывает искреннее сочувствие, ему не хватает средств, чтобы творить, развиваться, реализовать себя, как художника. В конце произведения мы видим совершенно другого художника: он потерял свой дар из-за алчности, стремления к славе. Герой презирает себя за то, что стал далёк от истинного искусства, завидует тем, кто смог правильно распорядиться своим талантом: истребляет картины известных мастеров, покупая их за бешеные деньги.
Очень динамично показан в произведении тот период, когда Чартков впервые встретился с большими деньгами: он покупает ненужные вещи, завивает локоны, ведёт себя развязано и помпезно. Ещё вчера бедный и голодный художник, стал высокомерным и тщеславным обывателем. Он утратил божью искру настолько быстро, будто бы никогда и не имел её. А ведь именно его выделял преподаватель среди своих учеников, в нём видел непревзойдённый талант, возлагал надежды на его будущее.
В статье содержится подробное описание образа главного героя повести Н. В. Гоголя “Портрет” – художника Чарткова.
Концепт‑арт в играх и кино
Суть работы концепт‑художника в обеих индустриях — в визуализации идей, но в каждой есть своя специфика. Одна из важных задач концептера в кино — создание ключевых кадров, в которых художник передаёт фокус камеры, свет, композицию и любые значимые детали. Существует даже отдельная специализация — Keyframe Concept Artist.
Для игр рисуют ключевые арты, которые дают потенциальному игроку первое представление о проекте. Подобный концепт обычно передаёт атмосферу, знакомит зрителя с сеттингом и главными героями, а иногда — намекает на значимые события в сюжете.
«В кино выше темп. В игровых студиях спокойнее, но там требуется качество, близкое к гиперреализму. По моему опыту, в геймдеве дают больше времени. В кино очень жёсткие сроки — остаются те, кто выдерживает подобный темп. Видеоигру могут делать от трёх до десяти лет. Препродакшен фильма может занимать два месяца, постпродакшен — около года».
Валерий Зражевский,
концепт-художник и руководитель курсов Skillbox
Иллюстрация: Валерий Зражевский / ArtStation
«Когда я пришёл в кино после мультипликации, то смог там удержаться и выдержать темп благодаря опыту. Обычно концепт‑художники работают не с режиссёрами, а с VFX‑компаниями — скорости всё же немного ниже и нагрузка распределяется равномернее на несколько художников. Я работал с режиссёрами и был один. Если сравнивать концепт‑арт для игр и кино, более свободный мазок, заметна скорость. Концепты для игр более проработанные».
Валерий Зражевский,
концепт-художник и руководитель курсов Skillbox
Основы профессии
Концепт‑художники чаще всего трудятся в кино‑ и игровой индустриях и в первую очередь проектируют будущий контент. Также нередко они могут работать в смежных профессиях и близких сферах — иллюстрировать книги и комиксы, создавать архитектурную визуализацию или эскизы для рекламы. Задачи различаются в зависимости от сферы и конкретного проекта. Например, иллюстрация комикса должна быть эстетичной и точно встроенной в сюжет, а в геймдеве дизайн должен быть более функциональным.
Стадии создания концепта оборотня. Beast Hour — PvP‑игра студии Антона Морозова BH StudioИллюстрация: BH Studio
При создании визуала для игр художники опираются не только на собственное видение и вкус, но и обращают внимание на другие детали. Специалисты по персонажам продумывают мимику, предысторию и характеры героев, их роль в вымышленном мире
Для проработки окружения важно думать о том, как работает локация, насколько динамичный в ней будет геймплей, как игрок попадёт в неё и как покинет. Художественная часть включает в себя создание настроения — какие эмоции должен испытать игрок, попав в это место.
«В геймдеве от концепт‑художника ждут решения ТЗ, которое ставит геймдизайнер. Решение должно включать в себя интересную идею, понятную реализацию и соответствие техническим ограничениям проекта. Использовать можно любые инструменты: создать набросок в Photoshop, ZBrush — или сделать фотобаш.
Сейчас популярно покупать тематические 3D‑киты — например, с деталями замка или рыцаря, — где идёт много заготовок, из которых можно собрать основу и быстро её доработать. Это эффективный подход, особенно в кино, где от художников требуется создавать 2D‑изображения фотографического качества в кратчайшие сроки, чтобы съёмочная группа поняла, как должен выглядеть конкретный кадр в фильме».
Антон Морозов,
креативный директор BH Studio
Иллюстрация: Валерий Зражевский / ArtStation
Для старта в концепт‑арте нужны основы, без которых не обойтись любому художнику: композиция, перспектива и анатомия, работа со светотенью, умение подбирать фактуры, цвета и сочетать их между собой.
«Я не смогу дать это образование всем троим детям»
– Родители заметили, что у их ребенка склонность к рисованию, что им делать, где его учить?
Всеволод Романков
– Если повезет, и в обычной общеобразовательной школе может встретиться очень хороший учитель рисования, я знаком с такими педагогами, которые могут и научить ребенка, и направить его, подсказать, как развиваться дальше. Но не в каждой школе есть такой учитель.
Кроме того, существуют Дома творчества, где преподают изобразительное искусство, но, опять же, там тоже как повезет – можно встретить грамотного педагога, а можно – унылую тетеньку, завернутую в красивую шаль, которая сидит себе и спокойно реализует какие-то свои задачи и нет ей дела до детей. Так что родителям нужно смотреть, может ли ребенок повторить то, что рисовали на занятиях, сам, дома, без учителя.
В Москве вообще все просто. Если повезло, нашли хорошего учителя в Доме творчества, можно пойти учиться дальше – существуют вечерние художественные школы, и они теперь бесплатные.
Если ребенок хочет продолжать учиться дальше в художественном вузе, то после вечерней художественной школы поступить туда маловероятно – нужно еще училище. Например, Московское академическое художественное училище, Абрамцевский художественно-промышленный колледж им. В. М. Васнецова, колледж дизайна и декоративного искусства МГХПА им С.Г. Строганова. Во все эти учебные заведения большой конкурс.
После одиннадцатого класса можно поступить в художественный вуз, если общая школа была специализированной. Первое место здесь занимает Московский академический художественный лицей при Российской академии художеств (МАХЛ РАХ). Там строгая система обучения высокого уровня. Чтобы учиться там, нужно пройти конкурсный отбор, талантливым иногородним детям предоставляется общежитие.
– Если у ребенка талант к рисованию, это же не значит, что он обязательно станет художником и захочет учиться дальше?
– Естественно. Готовиться к этой специальности надо издалека, а определяется человек лет в пятнадцать, понимая, нравится ему это или нет, хочет ли он видеть это своей специальностью в жизни.
У нас каждый год из выпускников кто-то поступает в МГУ, кто-то – в Высшую школу экономики – и именно на экономические специальности, кто-то поступает в расположенный неподалеку Областной университет.
Кроме нашей, есть 548-я школа в Царицыно – тоже общеобразовательная с художественным уклоном.
Если же человек хочет все-таки стать художником, то высшее художественное образование – ступенька, трамплин, без которого не стать настоящим профессионалом. Если уж ты выбрал это, то двигайся вперед.
– Даже если ребенок идет в бесплатную студию или в художественную школу, занятия рисованием требуют от семьи каких-то денежных трат?
– Расходные материалы здесь есть, ничего с этим не сделаешь. Даже если что-то заложено в бюджет на материалы, этого не хватит. Материалы для живописи, для графических работ, бумага, в старших классах холст – все стоит недешево. Надо быть готовым к этому. У меня был случай, когда в нашу школу поступили тройняшки, все трое – очень способные. Но папа посчитал и сказал: «Я не смогу это образование дать всем троим».
Фото: line-arts.ru
Карл Брюллов и мертвая рука Крылова
Карл Брюллов, известный представитель классицизма и романтизма в русской живописи, взялся как-то раз за портрет Ивана Андреевича Крылова. Вообще-то, люди у Брюллова получались на славу: «Последний день Помпеи», «Итальянский полдень», «Всадница»… Но в случае с портретом баснописца что-то пошло не так. Брюллов писал, писал, писал…
Крылов замучился позировать и даже пошутил, что не доживет до конца работы. И как в воду глядел.
Брюллову с горя расхотелось заканчивать портрет, на котором осталось написать одну лишь руку. Завершить произведение мастера взялся его ученик и в будущем известный художник Фаддей Горецкий. Картина была закончена. Жаль только, руку критики не оценили и назвали «мертвой».
К. П. Брюллов «Портрет И. А. Крылова» (1839)
Права и обязанности
После того, как вы получили фотографии, скорее всего захотите ими поделиться. В этом случает обязательно пропишите съёмочную команду в описании к посту в соцсетях с кликабельными ссылками.
Если вы почему-то решили не выкладывать фотографии… Конечно, может казаться, что это ваше дело, что выкладывать, а что нет, у вас особая атмосфера и эстетика ленты. В этом случае, знайте, что в подобных коллаборациях фотографы участвуют не только для портфолио, но и в целях рекламы. Так что идя на сотрудничество — сотрудничайте. Это вопрос воспитания и уважения.
Все авторские права на фотографии принадлежат фотографу. Это значит, что попытки заработать на фотографиях (любое коммерческое использование) не вызовут восторга и ободрения, да и вообще незаконны. Вопросы коммерческого использования оговариваются с фотографом, приобретается лицензия (обычно на год).
3 Научитесь внимательно слушать
Люди не любят слушать. Они любят рассказывать о себе! Им не интересно про Вас. Им интересно про себя. Каждый человек в большей степени заинтересован в том, чтобы рассказать о себе. Иногда его даже не остановить. И ничто так не интересно ему, как его собственная жизнь. А хороший друг — это как раз тот человек, который слушает. Если вы создадите условия, в которых человек сможет вам с удовольствием о себе рассказать, вы тем самым расположите его к себе. Это даст модели ощущение уюта, а вам — возможность поймать какие-то настоящие искренние моменты. Когда, к примеру, Анри Матисс писал портреты, то он тратил на них до 80 сеансов (нам, фотографам, в этом смысле значительно проще). Он постоянно находился в диалоге с моделью. При этом почти полностью погружался в картину, находясь в странном подвешенном состоянии между портретом и моделью. И это состояние было очень тонким. Стоило модели спросить его: «Который час?», заставить его задуматься и отвлечься от циркулирующего эмоционального потока к чему-то внешнему, Матисс заканчивал сеанс, поскольку не мог дальше рисовать. Этот момент тоже нужно иметь в виду.
Виктор Мизиано, куратор
Психологический портрет
Фото Алексей Никишин
Рембрандт Ван Рейн
Рембрандт – художник из Голландии, мастер светотени, гравер. Он являлся одним из самых крупных представителей золотого века голландской живописи.
В его картинах воплощался весь спектр человеческих переживаний. Рембрандт предпочитал опускать второстепенные детали и максимально раскрывать душевное состояние изображаемой персоны.
Будущий мастер начал учиться рисовать, когда ему было тринадцать лет. Он постоянно пребывал в творческом поиске и создавал картины в самых разных жанрах: портреты, жанровые сцены, пейзажи, натюрморты и так далее.
Известные портреты: «Юная Саския», «Портрет Яна Утенбогарта», «Флора», «Портрет Марии Трип».
Почему профессионалы не любят «любителей»?
Мысль первая.
Представьте, профессиональный художник учился своему ремеслу много лет. Вполне может быть, что это обучение лишило его детства. В то время, как вы играли в салочки с друзьями во дворе, он просиживал штаны в художественной школе, рисовал сотни учебных натюрмортов, кормил комаров на пленэре, писал ненавистные постановки с некрасивыми натурщиками, выслушивал от педагогов укоры и замечания.
Основы рисунка, живописи, композиции ему вдалбливали годами. На это обучение он полжизни положил! А Вы? Вы что же, хотите стать художником за пару месяцев или лет? Да еще и заочно!
«Это НЕВОЗМОЖНО! Это профанация!»
Никакие логические доводы и примеры обратного не помогут профессионалу. Он предпочитает забыть, что во время обучения видел своего педагога крайне редко, что тот вряд ли что-то показывал и объяснял, а чаще просто ставил постановки и оценки. Он не учитывает, что его обучение, по большому счету, — это САМОобучение, результат практики, и этот результат он начал получать уже в первые месяцы рисования. А потом все шло по кругу.
Почему бы любителю не сократить себе этот путь, имея осознанное желание, хорошие методики обучения и выбор художников с мастер-классами?
Я знаю многих любителей, которые дадут фору бывшим студентам художественных вузов в знаниях, умениях и таланте.
Взрослому осознанному человеку вообще проще постигать любую науку, нежели чем это дается ребёнку или юноше. А если любитель не распыляется во все стороны, как это принято в учебных заведениях, а уверенно идет в одном направлении, то может очень быстро достичь высот.
Но подсознательное убеждение «Я потратил на это годы!» никогда не даст профессионалу принять этот факт.
Мысль вторая.
Кто сказал, что рисовать, писать, лепить можно только шедевры? А если нет, то и не стоит начинать? Почему творчество меряется только результатами? И почему этот результат — «достойная» (чего?) картина?
Почему не может быть результатом и поводом рисования просто хорошее настроение? Или развитие мозга? Развитие чувствования и видения? Почему результатом не может быть своя, пусть простенькая, пусть слащавенькая, пусть кривенькая, но созданная с любовью картина?
Это все «вкусовщина», это «дилетантство», «салонная живопись»!.. Сколько там еще уничижающих эпитетов есть у профессионалов?…
И этак презрительно поморщить носик..
Знаю-знаю, сама такая.
Открою вам секрет.
Профессионалу живется очень сложно. Он с трудом принимает тот факт, что живопись может быть хобби, источником наслаждения и радости, чем-то легким.
Для него творчество — это РАБОТА. Это источник денег. Это часто от слова «надо», а не «хочу».
Его так воспитывали и обучали, его к этому готовили. Его ломали об коленку критикой, когда он нес преподавателю свои выстраданные картины, его идеи высмеивали и обсуждали на выставкомах; он прожил жизнь в поисках своего стиля и места в искусстве, в метаниях между «хочу» и «востребовано», в борьбе с непризнанностью, галереями, союзами, с отсутствием денег, в конце концов.
А тут вы! Любители! Такие воздушные и восторженные. Пороха не нюхавшие.
Еще и картинки свои слащавые, бывало, продаете на раз, только рисовать начали. Где справедливость, а?
Какой реакции на свое творчество вы ждете от художника, уверенного, что успех в живописи нужно заслужить?
Мысль третья.
Большинство профессионалов заточены под делание собственной работы, а не под восприятие чужой. (Это к вопросу о том, что в концертных залах среди зрителей нет музыкантов, а если они и приходят, то только критиковать других исполнителей).
Художник смотрит на чужие картины часто не для того, чтобы получить визуальное наслаждение. Он ищет в них то, чего ему не хватает в своих, то что поможет ему продвинуться дальше и выше в собственном творчестве. Он ищет вдохновение, идеи, приемы.
Художник ищет мастерство , которого пока не достиг сам.
Он постоянно сравнивает себя и чужую картину, как бы спрашивая «я так могу?». Если ответ — «могу», то картина не будет ему интересна. Кстати, «могу» здесь может касаться чего угодно. Примитивная картинка вполне способна впечатлить профессионала, если он понимает, что он уже очень далек от такой наивности и чистоты восприятия.
Именно поэтому в музеях я часто не останавливаюсь возле работ великих художников, а зависаю возле картин совершенно неизвестных авторов…
История возникновения жанра
В Древнем мире доминирующим направлением в искусстве было скульптура. Первый портрет был найден при раскопках в Египте. В период Проторенессанса началось развитие жанра портрета.
Изначально художники писали лица в профиль, в период Возрождения мастера стали изображать их еще в оборот в три четверти. Когда настала эпоха абсолютизма, пошла мода на парадные портреты. Заказчиками выступали члены королевской семьи, духовенство и высшая знать. Появилась должность придворного живописца.
Стали появляться новые направления, художники стали писать не только представителей высшего сословия. Героями картин становились простые люди, появились сюжеты на бытовые сцены. В 19-20 веке живописцы стали экспериментировать с содержанием, цветом и линиями. Теперь главным стало не только точное воспроизведение внешнего вида, а передача внутренних ощущений, эмоций.
ВЫВОДЫ из всего вышесказанного.
1.«Не мечите бисер перед свиньями».
Т.е. не показывайте свои работы людям, которым они в принципе не интересны. Поберегите свое самолюбие. И добрая соседка, далекая от искусства, и художник, слишком высоко это искусство ценящий, будут одинаково равнодушны к вашему творчеству. Равнодушие ранит сильнее критики.
2. Не просите критику на свои работы у профессионалов.
Вообще ни у кого не просите. А если просите, то формулируйте, что конкретно вам самим не нравится. Просите не критики в целом, а совета как достичь того или иного в вашей работе. Это будет конструктивно и по делу.
Клич же «критика приветствуется» — это как воззвание мазохиста, «бейте меня, да побольнее, мне приятно будет». Если кругом люди адекватные, то они либо похвалят, либо смолчат. А если нет… Сами напросились. Потом кисть долго в руки не возьмете.
3. Наращивайте панцирь.
Творчество — сфера очень деликатная, здесь мы особо уязвимы, потому что наша душа в ней открывается. Поэтому будьте готовы к ударам со стороны. Люди часто делают это не со злобы, они просто не понимают, насколько вы ранимы в творчестве.
4. Приравнивайте внутреннего критика к критике со стороны и ведите себя с ним согласно пунктам 1,2,3.
Понимаю, что многим моя статья может показаться жесткой и «всё это неправда, не все художники одинаковы!». Согласна, дорогие. Так и есть.
Цель всего того, что я написала — не обличить и заклеймить бездушных профессионалов (к коим тоже себя отношу), а, возможно, раскрыть глаза простодушным любителям, кои то и дело нарываются на презрение и критику со стороны профессионалов и «опускают крылья».
Не слушайте никого! Заткните своего внутреннего критика и идите путем радости и любви к тому, что делаете. Любитель — это от слова «любить», а любовь творит чудеса. Творите!
