Инструмент или игрушка?
Конечно, первый фотоаппарат — это игрушка. И как бы серьезно не относился маленький фотограф к процессу съемки, для него это просто увлекательная игра, ведь пока и вся его жизнь — игра. В этом нет ничего плохого. Посредством игры можно донести до малыша даже самые сложные знания и именно так поступает большинство родителей. А вот насколько эта игра будет интересной, и как долго будет занимать малыша, во многом зависит от вас.
Из вышесказанного следует, что первый фотоаппарат не должен быть дорогим и «навороченным». Лучше всего отдать ребенку старую «мыльницу» (если вы купили себе новый фотоаппарат) или подобрать простой фотоаппарат специально для него. Можно, конечно, снимать одним и тем же аппаратом и ребенку, и взрослому. Но собственный фотоаппарат — предмет особой гордости, с ним малыш обращается осторожнее и трепетнее, и не стоит лишать его таких позитивных эмоций. На мой взгляд, пленочные «мыльницы» предпочтительнее цифровых по нескольким причинам. Во-первых, цифровые аппараты более хрупки и капризны, а маленькие ручки неумелы и непослушны. Любое падение может вывести «цифровик» из строя, а вот пленочная «мыльница», вероятнее всего, выживет. Во-вторых, цифровой фотоаппарат в руках начинающего фотографа обесценивает процесс создания хорошей фотографии. Здесь можно не думать особо: нажимай на кнопочку множество раз, а потом выберешь то, что хоть как-то походит на качественный снимок. Пленочный же фотоаппарат из-за ограниченности кадров заставляет задуматься перед нажатием на спуск, поискать лучший ракурс, решить, а стоит ли вообще фотографировать любимого кота со всех сторон 36 раз подряд. Справедливости ради надо сказать, что «цифровик» обладает своими достоинствами. Прежде всего, он позволяет маленькому нетерпеливому фотографу сразу видеть результат своей съемки и помогает осваивать компьютер, дает возможность экономить на пленке и печати. И если вы увидите, что ребенок по настоящему интересуется процессом создания фотографии, что ему это доставляет удовольствие и это не увлечение на один день, тогда чуть позже имеет смысл подарить ему фотоаппарат посерьезнее: хороший цифровой или пленочный зеркальный . А пока будем оттачивать мастерство с тем, что есть, памятуя, что хорошие фотографии делает не фотоаппарат, а фотограф. И даже «мыльницей» можно сделать весьма и весьма интересные снимки.
«Форрест Гамп»
Режиссер: Роберт Земекис
Год: 1994
Жанр: драма
«Форрест Гамп» сразу с момента выхода снискал мировую любовь кинозрителей и критиков. История деревенского парня Форреста (Том Хэнкс), который, несмотря на физические ограничения и невысокий IQ, смог удивительным образом выстроить свою жизнь, — ода американской мечте и вместе с тем легкая сатира на идеалы ХХ века.
Кадр: фильм «Форрест Гамп»
«Мир Кристины», Эндрю Уайет / Музей современного искусства, Нью-Йорк
«Мир Кристины»
Художник: Эндрю Уайет
Год: 1948
Жанр: реализм
Прототипом для героини полотна «Мир Кристины» американского художника Эндрю Уайета послужила его соседка по летнему дому. Кристина Ольсон, предположительно, страдала от полиомиелита, но отказывалась использовать инвалидное кресло и передвигалась ползком.
По словам художника, он был поражён ее силой духа и стойкостью в ситуации, которую большинство людей посчитали бы безнадежной. Фигура Кристины изображена сидящей спиной к зрителю, её взор направлен на американский деревенский пейзаж и серые строения фермы.
Сцена в фильме
Дженни Каррен — школьную подругу Форреста, позже ставшую любовью всей его жизни, — отец в детстве подвергал избиению и насилию. В одной из сцен Форрест и Дженни возвращаются в её детский дом, на тот момент уже опустевший и заброшенный.
Анаморфоз
Анаморфоз — это техника создания изображений, полностью увидеть и понять которые можно только взглянув на них под определённым углом, или с определённого места. В некоторых случаях правильное изображение можно увидеть только если смотреть на зеркальное отражение картины. Один из самых ранних примеров анаморфоза продемонстрировал Леонардо да Винчи в 15 веке. Другие исторические примеры этого вида искусства появились в эпоху Возрождения.
На протяжении веков эта техника развивалась. Началось всё с трёхмерных изображений, получаемых на обычной бумаге, и постепенно дошло до уличного искусства, когда художники имитируют различные отверстия в стенах, или трещины в земле.
А самый интересный современный пример — анаморфная печать. Однажды студенты Джозеф Иган и Хантер Томпсон, изучающие графический дизайн, нанесли на стены в коридорах своего колледжа искажённые тексты, прочитать которые можно было, только если посмотреть на них с определённой точки.
blog.thomasjquinn.com blog.thomasjquinn.com www.rebloggy.com www.rebloggy.com www.josephegan.co.uk www.josephegan.co.uk
Ги Бурден
Прошло более 25 лет после смерти мастера, а его работы все так же актуальны и продолжают копироваться. С фотографий Ги Бурдена берут пример многие — ведь именно он показал, какой интересной может быть фэшн-фотография. Абсолютно творчески свободный — он создавал кадры, наполненные как сюрреалистичностью образов, так и их эротичностью. Его снимки обожал Vogue.
Да, он был довольно необычным, странным и обладал особенным чувством юмора, не таким, как у всех, но также он всегда был вежлив, почтителен, воспитан, спокоен и вел себя так, как будто происходил из очень хорошей семьи… Он всегда спрашивал меня, не голодна ли я, не холодно ли мне или не жарко, и всегда пытался мне угодить. Он говорил, что ему не нравится снимать голодных моделей. — Джоан Беннетт, модель Ги Бурдена.
Vogue Paris December 1977/January 1978
Рисование светом
www.lightpaintingphotography.com
Как ни странно, самые первые практики световой живописи не воспринимали её как искусство. Фрэнк и Лилиан Гилбрет занимались проблемой повышения эффективности промышленных рабочих. В 1914-м году пара начала использовать свет и камеру для того, чтобы записать некоторые движения людей. Изучив полученные световые образы, они надеялись найти способы сделать работу персонала легче и проще.
www.tutophoto.com
А в искусстве этот метод начал использоваться в 1935-м году, когда художник-сюрреалист Ман Рэй использовал фотокамеру с отрытым затвором для того, чтобы снять самого себя, стоящего в потоках света. Очень долго никто не догадывался о том, что это за световые завитки изображены на фото. И только в 2009-м году стало ясно, что это не набор случайных световых завитков, а зеркальное отображение подписи художника.
«Пятый элемент»
Режиссёр: Люк Бессон
Год: 1999
Жанр: фантастика
«Пятый элемент» считается главным шедевром французского режиссёра Люка Бессона. В фильме показан мир будущего, где такси перемещаются по воздуху, а полеты в космос стали таким же развлечением для богатых, как круизы через Атлантику. Но миру угрожает опасность, и только прекрасная инопланетянка Лилу (Милла Йовович) способна предотвратить гегемонию зла.
Кадр: фильм «Пятый элемент»
Фрида Кало, «Сломанная колонна» / Музей Долорес Ольмедо
«Сломанная колонна»
Художник: Фрида Кало
Год: 1944
Жанр: символизм
«Сломанная колонна» — автопортрет мексиканской художницы Фриды Кало, написанный в 37 лет вскоре после перенесённой операции на позвоночнике. В 18 лет она попала в серьёзную автомобильную аварию и так и не смогла оправиться.
Сломанный позвоночник Кало олицетворяет рассыпающаяся ионическая колонна, помещённая на линию разлома в теле художницы. Вместо металлического корсета, который Фрида была вынуждена носить из-за больной спины, на холсте она надевает на себя белые тканевые бинты. На автопортрете Кало предстает полностью уязвимой, но в то же время демонстрирует свою внутреннюю силу, не сломленную даже слабым здоровьем.
Сцена в фильме
Работа Кало в «Пятом элементе» была процитирована костюмом Лилу, за который отвечал великий французский кутюрье Жан-Поль Готье. Творчество Фриды ему хорошо знакомо — в 1998 году Готье выпустил коллекцию, основанную на стилях мексиканской художницы. Костюм, отсылающий к «Сломанной колонне», был синтезирован из образа с картины и стиля рок-певца Мэрилина Мэнсона.
Платье из коллекции Жан-Поля Готье, вдохновлённой Фридой Кало. Фото: rocor / flickr.com
Реверс трёхмерных изображений
Alexa Meade
В то время как анаморфоз старается сделать двумерные объекты похожими на трёхмерные, реверс трёхмерных изображений пытается сделать так, чтобы трёхмерный объект стал похож на двумерный рисунок.
Alexa Meade
Наиболее заметным художником в этой области является Алекса Мид из Лос-Анджелеса. В своей работе Мид использует нетоксичную акриловую краску, с помощью которой она заставляет своих ассистентов стать похожими на неодушевлённые двумерные картины.
Alexa Meade
Эту технику Мид начала разрабатывать ещё в 2008-м году, а публике она была представлена в 2009-м году.
Alexa Meade
Работы Мид, это, как правило, человек, сидящий у стены, и окрашенный таким образом, чтобы у зрителя возникла иллюзия того, что перед ним — обычный холст с обычным портретом. Чтобы создать такое произведение, может потребоваться несколько часов.
Alexa Meade
Другой значимой фигурой в этой области является Синтия Грейг, художник и фотограф из Детройта. В отличие от Мид, Грейг использует в работе не людей, а обычные бытовые предметы. Она покрывает их углём и белой краской для того, чтобы они со стороны выглядели плоскими.
Cynthia Greig Cynthia Greig Cynthia Greig
Фотореализм
Richard Estes
Начиная с 60-х годов движение фотореалистов стремилось создать предельно реалистичные изображения, которые были почти неотличимы от реальных фотографий. Копируя мельчайшие детали, фиксируемые камерой, художники-фотореалисты стремились создать «картину картины жизни».
Richard Estes
Ещё одно движение, известное как супер-реализм (или гипер-реализм), охватывает не только живопись, но и скульптуру. Также это движение находится под сильным влиянием современной поп-арт культуры. Но в то время как в поп-арте повседневные образы стараются из контекста убрать, фотореализм напротив, концентрируется на образах обычной, повседневной жизни, воссоздаваемых с максимально возможной точностью.
Richard Estes
К наиболее знаменитым художникам-фотореалистам относятся Ричард Эстес, Одри Флэк, Чак Клоуз и скульптор Дуэй Хэнсон. Движение очень неоднозначно воспринимается критиками, которые считают, что в нём механическое мастерство явно превалирует над стелем и идеями.
Audrey Flack Audrey Flack Chuck Close Chuck Close Duane Hanson Duane Hanson Duane Hanson
Наслаждайся критикой
Еще пару слов о критике. Художник, живущий в окружении людей, всегда будет получать комментарии в адрес своих работ. Если он не может воспринимать критику, то какой из него художник? Поэтому любые комментарии – как негативные, так и положительные – необходимы для развития и роста творческой единицы. Критикуют – мотай на ус, а не воспринимай как попытку уязвить эго. А если ты начинающий творец, то слушай внимательнее. Вдруг чему-нибудь научишься.
При всем при этом ты не должен отказываться от своей стилистики, от своих идей. Во-первых, всем не угодишь: кто-то любит авангард, а кто-то – картины Шишкина. Во-вторых, слушая всех, ты потеряешь свою индивидуальность.
9. Побольше общайся с себе подобными
Нужно поддерживать связь не только с окружающим миром, но и с другими художниками. Это в свою очередь товарищи, которые могут что-то подсказать, чему-то научить, прокомментировать твою работу свежим профессиональным взглядом. Посещай мастерские – это прекрасный способ увидеть, чем живет и куда развивается искусство. В конце концов, тусовка всегда есть тусовка, благодаря такому общению – пускай даже с «нужными» людьми – у тебя появится больше шансов попасть на выставки или найти покупателя своей картины.
10. Не зацикливайся, твори в свое удовольствие
Твоя задача состоит в том, чтобы просто творить, делиться, а затем идти дальше. Нельзя останавливаться на одной работе и думать, можно ли ее улучшить. Нельзя постоянно размышлять и волноваться о том, как на нее отреагирует аудитория. Попытки сесть и создать что-то такое, что аудитория однозначно полюбит и оценит, – самый верный путь к творческому застою. Нельзя творить в угоду публике, иначе это не искусство, а коммерция.
11. Следи за модой
Ни в коем случае не подумай, что мы наезжаем на живопись. Лично для нас вершиной таланта является почти что фотографическое изображение окружающей действительности. Мы настолько старомодные, что любим кропотливое, детальное изображение выбоин на штукатурке, человеческой мимики и естественного буйства природы. Мы смотрим на две прямые линии на белом холсте как на попытку обмануть и выдать за искусство отсутствие таланта. В общем, любим мы, когда на холсте виден талант. Увы, это не в моде. В моде налепить блесток, нарисовать радугу и назвать картину вычурно, например «Плач Моисея». Хорошо это или плохо – черт знает. Но совершенно точно это открывает новые возможности реализоваться в искусстве.
12. Учись смотреть на мир как художник
Художник смотрит на мир как на сюжет картины. Большой талант – видеть в обычных городских пейзажах или банальных вещах что-то, достойное запечатления. Поэтому кто-то видит в чахлом, окруженном домами дереве просто ствол с листьями, а кто-то – символ надежды.
Надо смотреть не только чрез призму аллегорий и метафор, запечетляя в своих работах скрытые смыслы. Вдруг ты станешь живописцем? Тогда было бы неплохо научиться видеть красивое в простых вещах. Даже обычная дорожная пробка или банальный закат при должном мастерстве становятся шедеврами.
13. Не надо копировать реальность – изображай мир таким, каким ты его видишь
Чтобы запечатлеть мир таким, какой он есть, нужна камера. Прошли те времена, когда картины были едва ли не единственным документом, фиксирующим эпоху и прошлое.
Художник может стилизовать, подчеркивать, идеализировать, создавать абстракции и сюрреализмы. Грешно этим не воспользоваться.
Свет
Одна из вещей, которая мне нравится в Моне Лизе – это то, как свет падает на модель
Леонардо использует свет чтобы привлечь внимание зрителя к частям изображения, которые он хочет акцентировать (лицо и руки) и безупречно балансирует картину, разместив их друг напротив друга
Леонардо также использует тень (или недостаток света) чтобы добавить глубину и объем в различных участках картины – особенно в области вокруг шеи Моны Лизы и на сборках ткани на ее рукавах.
Домашнее задание
Подумайте о том, как ваш объект освещен
Используйте свет для того, чтобы привлечь внимание к важным частям изображения, но также с помощью теней создавайте глубину и объем на ваших снимках
Одежда
Леонардо изображает темную неброскую одежду на этой картине. Как и другое – это отличается от принятого в то время, изображения яркой одежды.
Несмотря на то, что на её платье есть немного деталей (изящное кружево и очаровательные складки на рукавах) и всё это гармонирует с настроением картины, всё направлено на акцентирование её лица.
Там также отсутствуют любые ювелирные изделия или другие виды аксессуаров, которые могли бы отвлечь зрителя от лица Моны Лизы.
Очевидно, Леонардо хотел, чтобы изображенная на картине женщина сама обращалась к зрителю, а не что-то иное.
Домашнее задание
Одежда – второй элемент, который может отвлекать в портрете. Поучитесь у Леонардо и подбирайте одежду, которая будет соответствовать субъекту и добавит контекст, но не отвлечет зрителя от субъекта.
Чужой код
В начале карьеры Obvious не совсем соглашались с тем, что в создании картин с помощью ИИ творец именно человек. Во всяком случае, официальная их позиция звучала иначе.
Даже девиз команды звучал несколько футуристично: «Творчество не только для людей».
Среди художников есть мнение, что картина Obvious попала на аукцион Christie’s (и в итоге прославила арт-группу) только за счет их довольно провокационного позиционирования своего творчества в начале карьеры.
Созданная в апреле 2017 года арт-группа в ранних пресс-релизах прямо писала, что их картины создает ИИ. Роль человека при этом была как бы второстепенной. И для Christie’s такая легенда отлично сработала: картина далеко не самых опытных ИИ-художников оказалась на главных арт-торгах мира, а они сами — в заголовках прессы.
Чтобы алгоритм GAN выполнял конкретную задачу — например, создавал картины в определенной стилистике, — его нужно доработать и обучить. 19-летний ИИ-энтузиаст Робби Баррат занялся этим и научил алгоритм GAN рисовать в манере, близкой к импрессионизму. После этого он выложил нейросеть в открытый доступ на ресурсе для разработчиков GitHub: подобная практика широко распространена среди программистов, ее цель — совершенствовать код. Так его нашел Кассель-Дюпре, отвечавший за техническую часть работы в арт-группе Obvious.
Так работал алгоритм Баррата
Художники, которые используют ИИ, отзывались о работах группы как об очень слабых, а успех их связывали исключительно с вызывающим самопиаром. Так как «Портрет Эдмона Белами» был в значительной степени создан за счет усилий Роберта Баррата, многие назвали эту картину подделкой.
Заимствования среди художников не редкость, и, например, Марсель Дюшан не упоминал в соавторах работы «Фонтан» дизайнера, спроектировавшего использованный им писсуар. Но проблемы авторства «Портрета Эдмона Белами» это не разрешает
Как творит ИИ
В случае с созданием творческих произведений искусственным интеллектом называют нейронную сеть (она же алгоритм машинного обучения). Это частный случай ИИ.
Нейросеть представляет собой множество простых, соединенных между собой элементов, которые складываются в примитивное подобие мозга. Она анализирует загруженные в ее базу произведения, распознает образы, технические приемы, приметы стиля, а затем, согласно прописанному заданию, использует полученные знания для создания картин.
Алгоритм машинного обучения может находить зависимости, характерные черты и правила в любом множестве загруженных объектов — будь то живопись, музыка или стихи. Обработав большой объем данных, нейросеть обобщает их и делает выводы разными способами.
Чему именно будет учиться алгоритм, определяет специалист по анализу данных. Он же программирует алгоритм на то, как их использовать. Например, писать стихи, похожие по размеру и лексике на те, что загрузили в базу. Или непохожие. Подражать конкретному художнику или компилировать стилистики сразу нескольких у нейронных сетей получается весьма неплохо.
Работа проекта Deep Dream от Google по мотивам творчества Ван Гога. Источник
Например, нейронная сеть, с помощью которой создавалась картина «Портрет Эдмона Белами», обучалась на 15 000 портретных работ, написанных в период с XIV по XX век.
Наиболее успешным (талантливым?) алгоритмом, лежащим в основе большинства современных программ для создания любых художественных произведений, считается генеративно-состязательная сеть (GAN) Яна Гудфеллоу.
GAN не единственный алгоритм, который успешно справляется с творческими задачами, у него довольно много коллег по цеху. Например, другая популярная нейросеть, которая создает такого рода произведения, — CAN, креативно-состязательная сеть. В ее основе тоже две нейросети — генератор и дискриминатор, но второй в этом случае отбирает получившиеся произведения так, чтобы они не были похожи ни на одну работу, загруженную в базу. С помощью CAN создают стилистически уникальные произведения.
Работа программы AICAN, использующей креативно-состязательную сеть (CAN). Источник
Отказываемся от помощи сторонних толкований
Есть мнение,
что произведение, со временем, приобретает
историю своего восприятия, — это
своеобразная «биография» произведения
(которую мы видим: на страницах популярных
книг, журналов, на всевозможных
интернет-ресурсах), которая призвана
показать ценность… но на деле, если
призадуматься, мнение масс не придает
изобразительной ценности изображению
и будет мудро, если «начинающий» зритель
проигнорирует спекулятивную тему.
Пониманию
искусства способствует общение с людьми,
мыслящими серьезно, независимо —
привычка говорить на равных (не гонором,
но знанием), без заигрывания и бесконечного
(и, в большинстве своем, нелепого)
цитирования прописных истин, помогает
научиться говорить с опорой на
теоретический фундамент — стать
исследователем, а не теоретиком.
Искусство
восприятия подразумевает личность
исследователя, аналитический ум, который
не исключает собственное индивидуальное
видение, но стремится к высокой
объективности (и с этим, конечно, не
стоит заигрываться, поскольку хоть
наука об искусстве и требует от зрителя
объективности, но парадокс в том, что
без ярко выраженной субъективной точки
зрения она перестает быть наукой, ибо
личностное переживание — необходимый
этап исследования). До определенного
момента эмоциональное отношение купирует
развитие восприятия снимка, но по мере
систематизации умозаключений, научению
обосновывать свою оценку фотографии,
в субъективной аргументированной оценке
виднеется личность, которая намного
ближе автору, чем все теоретики этого
мира. Шаг навстречу, но автор еще
далеко.
По мере
изучения искусства, обновится список
предпочитаемой литературы. Исчезнет
рерайт (причем поверхностный) классических
авторов, «продукты самопиара» и прочие
инфо-что-то там; все ближе станет строфа
Тютчева:
Счастлив
в наш век, кому победа
Далась не
кровью, а умом,
Счастлив,
кто точку Архимеда
Умел сыскать
в себе самом, –
Именно отказ
от поверхностного отрывистого восприятия,
информированности, позволяет не только
исключить манипулирование со стороны
заинтересованных лиц (игроков рынка —
тут же бизнес), но и через отрицание
общеизвестного и заученного, сформировать
фундамент тех интеллектуальных и
нравственных ценностей, которые всегда
помогут сориентироваться там, где очень
часто истинное заслоняется мнимым.
…
Отличной
помощью можно считать мемуары авторов,
поскольку многие из них были мастера
не только образа, но и слова: отразили
время, в которое создавалось произведение,
и условия, которые повлияли на его
создание; хороший текст позволяет
угадать автора за каждым суждением,
увидеть уровень его размышлений, который,
если мы коснемся классиков, весьма
высок, — более уважительного и ценного
диалога со зрителем не найти.
Photo by Elijah Hail on Unsplash
Дайте ребенку фотоаппарат!
Случалось ли вам видеть фотографии, сделанные детьми? Не часто их встретишь в семейных фотоальбомах. А все оттого, что мы часто недооцениваем возможностей нашего малыша, все время решаем за него: «Это тебе еще рано, а вот это в самый раз!» А что, если дать ребенку проявить себя? Между тем даже четырехлетний человечек уже может довольно сносно управляться с простеньким фотоаппаратом, а ребенок 5-6 лет способен разобраться в таких непростых вещах, как выдержка и диафрагма. Конечно, при условии, что мама или папа примут непосредственное участие в становлении юного фотографа. Сплетенные ветки деревьев на фоне синего неба, распахнутая пасть бегемота в зоопарке, пятачок бабушкиного поросенка во весь кадр или свежий взгляд на загородный пикник с шашлыками — не раз и не два удивят вас работы вашего малыша, противоречащие всяким законам композиции, но наполненные теплым солнечным светом…
Но давайте рассмотрим общение малыша с фотоаппаратом не только как возможность творить и создавать художественные произведения, но и как замечательное развивающее занятие, инструмент для познания окружающего мира, тренажер внимания и наблюдательности. Что же еще, как не частичку души вкладывает хороший фотограф в свои работы? И именно фотографирование — один из способов развить и эмоциональность, и чувство прекрасного, и способность через фотографию поделиться с другими своими переживаниями. Даже если вы сами не столь сильны в науке фотосъемки, не беда. Учиться или совершенствоваться никогда не поздно, а вместе с малышом — еще и увлекательно. Итак, отправляемся на фотоохоту!
«Меланхолия»
Режиссёр: Ларс фон Триер
Год: 2011
Жанр: драма
«Меланхолия» датского режиссёра и сценариста Ларса фон Триера разделена на две главы и пролог. В первой главе героиня Жюстин в исполнении Кирстен Данст не может справиться с сильным приступом меланхолии на собственной свадьбе, оплаченной мужем её сестры Клэр. Роскошное торжество заканчивается полным крахом, несмотря на попытки Клэр привести свою сестру в чувство.
Во второй части фильма мы увидим Жюстин в клинической депрессии, но это состояние позволит ей со спокойствием и даже с некоторым облегчением встретить конец света — столкновение Земли с планетой Меланхолия.
Почему мы не принимаем копии художественных произведений
Предположим, вы внимательно разглядываете «Автопортрет» Рембрандта, который висит в Национальной галерее искусств в Вашингтоне. А позже вам говорят, что эта картина была выполнена машиной. Вы сразу почувствуете, что картина что-то утратила. Или представим другую ситуацию. Недавно в тропических лесах Амазонки были найдены тысячи картин, примерный возраст которых составляет 12 500 лет. На них изображены танцующие люди, лошади и гигантские ленивцы. Если бы картины оказались подделкой, мы бы не испытывали тех острых ощущений, которые возникают, когда мы представляем доисторических людей, делавших эти рисунки.
Для меня как психолога с опытом работы в области искусства страсть к нему поднимает два фундаментальных вопроса. Во-первых, почему нас так тянет к произведениям искусства? Ведь дело, на самом деле, не только в красоте. И, во-вторых, как на нас влияет занятие искусством?
У меня есть несколько предположений. Нас привлекают произведения искусства, потому что они напрямую связывают нас с воображением художника. Мы автоматически вкладываем в произведение искусства тайный смысл. Когда мы смотрим на Рембрандта, нам кажется, что мы читаем его послание. Мазки кистью подсказывают, как двигалась его рука, когда он рисовал, по ним можно узнать, в каком ментальном состоянии находился художник, когда создавал этот образ. Аналогичная реакция возникает у нас, когда мы смотрим на наскальные рисунки и пытаемся представить, что эти доисторические художники думали и чувствовали при создании этих изображений.
Галерея просмотрела или скрыла тот факт, что картины не имели никаких доказательств того, что они были собственностью анонимного коллекционера. Хотя некоторые искусствоведы заявляли, что работы выглядят аутентичными, другие с ними не соглашались. Тем не менее картины были проданы на аукционе за 70 миллионов долларов, и большая часть мира элитного искусства оказалась обманута. Мало-помалу правда вышла наружу, закончившись признанием женщины в суде: она сообщила, что картины были подделками, сделанными Пей-Шен Цянем, художником из Китая.
Обманутые коллекционеры были возмущены. Но если они приобрели картины и сочли их захватывающими, то какая разница? Конечно, дело в стоимости работ. А также в том, что красивая картина перестает быть привлекательной, когда мы знаем, что это подделка, и тем самым придаем ей оттенок фальсификации и аморальности. Однако есть еще одна причина нашей неприязни к подделкам.
Люди верят в то, что в момент их создания художники наполняют свои работы собственной сущностью — даже если речь идет о копиях оригинала. Психолог писал об этой иррациональной вере: наше предпочтение объектов с определенной историей объясняется магическим мышлением эссенциализма. Вера в то, что определенные предметы обладают какой-то силой в связи с их сентиментальной ценностью, объясняет наше предпочтение оригиналов их идеальным копиям. Если вы потеряете обручальное кольцо, вы не будете удовлетворены его точной заменой. Если ребенку взамен потертого плюшевого мишки дадут нового, его не утешит такой подарок.
Однако на Востоке к оригиналам относятся иначе. Например, в Китае и Японии допустимо создавать точные копии, и они ценятся так же, как и оригинал. Тем более что старая работа может со временем разрушиться, а ее дубликат покажет первоначальный вид во всей красе.
«Большой всплеск»
Режиссер: Лука Гуаданьино
Год: 2015
Жанр: криминальная драма
«Большой всплеск» итальянского режиссера Луки Гуаданьино, известного по киноленте «Назови меня своим именем», по сюжету отдалённо напоминает фильм «Бассейн» Жака Дере 1969 года.
Главная героиня — мировая рок-звезда Марианна (Тильда Суинтон) теряет голос и отправляется на отдых со своим бойфрендом Полом на итальянский остров Пантиллерия. Пара будет наслаждаться уединённой идиллией, проживая на вилле с бассейном, пока их спокойствие не разрушит неожиданный приезд Гарри — бывшего возлюбленного Марианны.
Кадр: фильм «Большой всплеск»
Дэвид Хокни, «Большой всплеск» / Британская галерея Тейт
«Большой всплеск»
Художник: Дэвид Хокни
Год: 1967
Жанр: поп-арт
«Большой всплеск» — одна из самых знаменитых работ британского художника Дэвида Хокни. Картина была написана, когда Хокни жил в солнечной Калифорнии, где бассейн — элемент повседневной жизни, а не атрибут роскоши, как в родной художнику Великобритании. С тех времён бассейн и поверхность воды стали его «визитной карточкой».
На картине художник не показывает, кто именно прыгнул в воду, вызвав большой всплеск, — всё внимание приковывают брызги воды. По признанию Хокни, он и сам не знает, кто совершил прыжок, поскольку на написание картины его вдохновила просто фотография из книги по строительству бассейнов.. Сцена в фильме
Сцена в фильме
Мы не увидим картины в фильме, но цитирование «Большого всплеска» в названии неслучайно. Как говорит Гуаданьино, «когда я думал об основных концепциях фильма — сожаление, утерянная любовь и ревность — эти качества напомнили мне о творчестве Хокни в 60-х годах. С самим всплеском появляется момент разрыва реальности — ты не знаешь, что случилось до и что случится после». Большой всплеск с картины — это и аллегория к появлению Гарри и его дочери в жизни Марианны. События, которые достигнут своей кульминации в бассейне, ненадолго нарушат штиль в жизни певицы.
Сцена же с самой картиной была вырезана из фильма. В исходном варианте сценария, как рассказывал режиссер, Дакота Джонсон, сыгравшая дочь Гарри, должна была сидеть напротив полотна Хокни в Британской галерее Тейт.
