Кто есть кто в театре

Критерии классификации, содержание роли

Правильная классификация театров основана на содержании театрального искусства. В том случае, когда речь идет о драматическом театре, подразумевают, что актер играет драму человека, а не чувство, понятие или вещь, то есть не может принимать нечеловеческий облик. Таким образом, видовое своеобразие можно наблюдать сквозь призму содержания роли.

К примеру, музыкальный театр (оперный или балетный) характеризуется содержанием роли, которая извлечена из музыки. Содержанием музыкальных образов в данном случае являются чувства, а не человек. Театр пантомимы ставит спектакли, где артисты могут изображать вещи.

Материал, необходимый для реализации театральных ролей, находится в содержании каждого вида искусства. При этом форму театральных роли приобретают только на сцене театра с помощью выступающего человека и публики.

Содержание роли используют в качестве критерия классификации театров. Поставщиками материала для роли являются литература, музыка, пластика. Ролями при этом становятся люди, чувства, либо вещи, а театр, в свою очередь, определяется видом:

1. Драматический.
2. Музыкальный.
3. Пантомимический.

Форма также выступает в роли критерия классификации театров. Аудитория воспринимает образы в разных формах: человек, кукла, тень. Исходя из этого, театры подразделяют на следующие виды:

1. Театр «живого актера».
2. Театр кукол.
3. Театр теней.

Примечание

Данные группировки по содержанию и форме, как правило, пересекаются между собой. Таким образом, можно понять реальный смысл, которым обладают лишь «двухступенчатые» определения театральных видов, к примеру, драматический театр кукол.

Одним из критериев классификации театра является язык спектакля:

• музыки;
• танца;
• слова.

Благодаря литературе, драматический театр обрел целый спектр языковых средств. Пение обеспечило языком оперу, а танец – балет. Мимирование является языком театра пантомимы.

Начало

В Афинах V века до н. э. театральные представления были неотъемлемой частью религиозных праздников. Шествия со статуей Диониса сопровождались веселыми песнопениями и драматическими играми. Можно сказать, что история афинского театра начиналась как художественная самодеятельность для небольшого количества зевак. Первоначально ставились только трагедии, комедии стали показывать позднее. Примечательно, что пьесы, как правило, показывали только один раз. Это стимулировало авторов на создание актуальных, интересных произведений. Драматург не только писал пьесу, он был полноценным участником представления, выполнял роли: режиссера, композитора, балетмейстера и даже актера. Естественно, это были исключительно талантливейшие люди.

А вот чтобы стать хорегом (руководителем хора), большого таланта не требовалось. Нужны были только деньги и связи с государственными служащими. Основной обязанностью хорега была оплата счетов, полное материальное обеспечение и поддержка театра. Он был в те времена местом состязания, побеждали в нем хорег, поэт и протагонист. Победителей увенчивали плющом, награждали призами. Победа отдавалась им по решению жюри.

Интересен тот факт, что древние римляне были настоящими фанатами реализма. Идеальной считалась постановка, в которой актер вживался в роль на 100% — при необходимости, он должен был быть готов даже умереть.

В греческом театре не было крыши, зрители и актеры находились, фактически, на улице. Размеры античных театров были огромны, они вмещали от 17 до 44 тысяч человек. Сначала для усадки зрителей использовались деревянные помосты, затем под театр приспосабливали естественные каменные склоны. И только потом, в IV веке до н. э., был построен каменный театр.

Вам наверняка интересно будет знать, что правительство, начиная с Перикла, давало возможность посетить театр и приобщиться к прекрасному даже материально не обеспеченным гражданам. Для этого каждому выделялась субсидия на один визит в театр, а в дальнейшем и на три посещения.

История древнего театра имеет одну характерную особенность: актеры играли свои роли без помощи собственной мимики. Ее заменяли всевозможные маски, часто весьма гротескные

Большое внимание актер уделял движениям тела, одежде. Актерами были мужчины, даже на женские роли

Они занимали привилегированное положение в обществе, освобождались от налогов.

Интересным является тот факт, что Ливий Андроник, древнеримский драматург, стал отцом первой в мире «фонограммы». Он остался без голоса, но вышел из положения, найдя мальчика, говорившего за него.

Роль зрителей

Если зрители могут включаться в разговоры и действия в спектакле, то в нем нельзя использовать только те сценарии, которые драматурги написали заранее, а актеры выучили наизусть. Приходится заимствовать техники из жанров, в которых давно разрабатывают интерактивность.

Так, в пособии по созданию сценариев для иммерсивных спектаклей Нандита Дайнеш рассказывает, что изучила пять форм интерактивных скриптов:

• упражнения в пособиях по изучению иностранного языка;
• настольные ролевые игры;
• обучающие симуляторы для будущих медсестер;
• уличные тренинги для команд и лидеров;
• образовательные тренинги для волонтеров Красного Креста.

Но больше всего ей помогло обращение к LARP — ролевым играм живого действия. LARP’ы особенно распространены в среде реконструкторов, толкиенистов, в закрытых субкультурных сообществах. Но последнее время они проникают и в искусство.

LARP предполагает, что ролевая игра проходит в физическом пространстве и может тянуться долго, до нескольких дней. Организаторы продумывают материальную сторону игры, задействуют разные каналы восприятия. Игроки перевоплощаются в персонажей, общаются друг с другом от их имени, но, как правило, в строго заданных рамках.

В целом сценарии для LARP’ов делятся на три части: подготовительные инструкции, фрагменты для игры и протоколы так называемого дебрифинга — коллективного осмысления того, что случилось за время игры, уже не от лица персонажей, а от собственного лица.

На этой основе Дайнеш выделяет семь разделов, из которых может состоять пьеса для иммерсивного спектакля:

• инструкции по подготовке зрителей и кастинга исполнителей;
• синопсис сценария;
• необходимый реквизит;
• описания персонажей, которых будут играть исполнители и зрители (точнее, Дайнеш пользуется словом «зритель-актер» — spect-actor вместо spectator, — которое предложил Аугусто Боаль, создатель форум-театра, еще одной техники включения зрителей в заранее продуманное театральное действие); возможно, анкеты, которые помогут детализировать образы;
• отдельные сцены с диалогами и таймлайн, по которому они могут разворачиваться;
• матрица возможных зрительских действий и инструкции, как откликаться исполнителям на каждое из них;
• инструкция для дебрифинга.

Еще один протокол, особенно подробно разработанный в LARP-культуре, — это протокол зрительского согласия. Перед игрой участникам часто задают вопросы, по которым нужно прийти к единому мнению:

• позволено ли повышать голос?
• позволено ли дотрагиваться друг до друга?

и тому подобные.

Виртуальная реальность

VR- и AR-спектакли тоже часто проходят под лейблом иммерсивного театра. Исследователь Лиам Ярвис предлагает для такого опыта термин «иммерсивное воплощение»

Он акцентирует внимание на том, какой зазор возникает между ощущениями физического тела и виртуального

Ярвис вспоминает понятие umwelt, что в переводе с немецкого означает «окружающая среда». Нейробиолог Дэвид Иглмен называет так подмножество реальности, которое доступно восприятию какого-либо живого организма. Всем нам свойственно считать, что Umwelt и есть вся реальность, но на самом деле, например, человеку доступны только десять триллионных от всех частот электромагнитного поля. А вот летучей мыши из знаменитой книжки философа Томаса Нагеля «Каково быть летучей мышью?» доступно больше, ведь эти животные воспринимают инфракрасное излучение. Мир в целом — в том числе те его части, доступ к которым закрыт для нас, — Иглмен предлагает называть Umgebung’ом.

Шаг 3: Чувствительность – нет, не та самая

В третьих, учитывайте контекст и цель съемки ваших кадров при покупке нового оборудования и выборе настроек камеры. ISO играет важную роль, если мы говорим о возможностях вашей камеры и о том, как она справляется с шумами. Вы уже наверняка знаете, что чем выше ISO, тем более чувствителен сенсор вашей камеры к свету, и тем ярче станет ваше изображение за счет добавления большего количества зерна в кадр.

Многие из новых моделей камер имеют гораздо более высокую производительность на высоких значениях ISO с меньшим шумом и более качественными изображениями, так что это то, на что стоит обратить внимание, когда вы решите обновить вашу «тушку» или купить тот новый «фикс». По этой же логике, учитывайте следующее: укороченная выдержка, полученная посредством увеличения ISO с 800 до 1600 (например, с 1/60 до 1/125) может иметь серьезное значение в плане получения резкого изображения, фиксирующего движение исполнителя, вместо размытого снимка

Многие издания и веб-сайты предпочтут резкое и немного шумное изображение размытой картинке без шума

По этой же логике, учитывайте следующее: укороченная выдержка, полученная посредством увеличения ISO с 800 до 1600 (например, с 1/60 до 1/125) может иметь серьезное значение в плане получения резкого изображения, фиксирующего движение исполнителя, вместо размытого снимка. Многие издания и веб-сайты предпочтут резкое и немного шумное изображение размытой картинке без шума.

Снимайте широкоугольные снимки, чтобы показать всю сцену

В частности, в небольших помещениях широкоугольные снимки отлично подходят для того, чтобы показать всю сцену и даже часть публики, если вы выступаете в прямом эфире.
Красота широких снимков заключается в их способности запечатлеть шоу в целом. Они показывают, как сценография, освещение и артисты вместе работают над созданием атмосферы.

Широкий угол позволяет запечатлеть всю сцену.

Важно соблюдать освещение сцены. Забудьте о балансе белого

Если, например, сцена синяя, то на это есть причина.
Это может быть ночь, как на изображении ниже. Или это может быть особое настроение, которое хотят передать художники.

Учитывая освещение спектакля, вы можете лучше передать ощущения от конкретной сцены.

То, как свет появляется в сцене, является частью шоу. На изображении ниже ключевой свет был направлен на пианистку, чтобы изолировать ее от остальной сцены, которая была более темной.

Освещение, использованное в шоу, призвано подчеркнуть действия пианиста.

Если вы находитесь рядом со сценой, вы можете использовать широкоугольные объективы в сочетании с низким углом для создания более динамичного и мощного изображения.

Снимая широко с низкого угла, сцена становится намного динамичнее и мощнее.

Если вы можете подойти близко, например, во время репетиции, поэкспериментируйте с тем, как широкий угол создает искажения.

Широкий угол с близкого расстояния может дать очень динамичное изображение, с хорошим разделением между плоскостями.

Типы сценографии

Сценография может быть трех типов:

1. подробная сценография,
2. лаконичная сценография;
3. минимальная сценография.

Типы сценографии

Подробная сценография включает в себя полное оформление места проведения спектакля в соответствии с его программой, костюмированных участников, детально проработанный сценарий, скоординированные действия всех актеров на каждом этапе и полное отсутствие внешних воздействий в период выступления. Подобные методы применяются для постановок серьезных тематических спектаклей с полным соответствием антуражу.

Лаконичная сценография означает общее оформление места проведения спектакля без внимания к деталям, слабо детализированные костюмы актеров, общий сценарий с основными репликами актеров. В основном спектакли и выступления такого уровня организуются на корпоративных и социальных мероприятиях.

Минимальная сценография подразумевает выступление актеров без костюмов, без оформления места проведения спектакля. Фактически, минимальная сценография – это выступление на заготовленной сцене под музыкальное сопровождение. Такой подход применяется в самых простых спектаклях и выступлениях, например, анимационных программах, проводимых по схеме ведущий – актеры – зрители – конкурсы – призы.

Вообще в сфере социально-культурного сервиса и туризма термин сценография получил широкое распространение. Часто этим термином обозначают один из ключевых моментов анимационных программ – пространственное решение мероприятия.

Репертуарные предпочтения

Оценивая структуру художественных предпочтений и особенности зрительского спроса, мы отмечаем следующую тенденцию: современная театральная публика — как случайная и неразвитая, так и наиболее искушенная — в своем репертуарном выборе ориентируется прежде всего на участие в спектакле популярных актеров. Впрочем, в зависимости от конкретного театра или определенного типа спектакля, приоритетными могут становиться и другие факторы зрительского выбора — зрелищность, интерес к классической пьесе, популярному постановщику и т.д.

Режиссерский фактор чаще становится значимым предпочтением в случае «авторского» или «режиссерского» проекта, когда факт участия в постановке известного режиссера активно продвигается как важное достоинство спектакля. Такие проекты обычно рассчитаны на публику не случайную, знакомую с именами и имеющую некоторое представление о тенденциях современного театрального искусства

Но, как показывают зрительские опросы, практически во всех случаях устойчиво наименьшим спросом в публике пользуется экспериментальность постановки, даже несмотря на то, что в театральной публике последних лет становится больше людей, интерес которых к театру определяется фактором новизны.

Репертуарные предпочтения зрителей связаны с их избирательной способностью: с повышением избирательности зрителя растет и его способность воспринимать театральный спектакль во всей целостности, синтетичности и многообразии. Неподготовленные в культурном отношении посетители публично декларируют интерес главным образом к популярным образцам, к тому, о чем все мы имеем хотя бы минимальное представление еще со школьной скамьи. Они ждут от театра зрелищности и развлекательности, того, что предлагают массовые виды культурного досуга и к чему они так привыкли. Но по мере накопления зрительского опыта и роста избирательности происходит изменение зрительских приоритетов с тех, что определяют внешнюю сторону театра (звездность, зрелищность, сюжет, свойственные развлекательным жанрам), на его содержательные, смысловые компоненты, в наибольшей мере отражающие сущность и особенности театра как вида искусства. Возрастает доля зрителей, имеющих конкретные репертуарные предпочтения: они ожидают интеллекта, эксперимента, проявляют больший интерес к творчеству авторов и постановщиков. Эта ситуация отражает логику приобщения человека к искусству: от простого — к сложному, от внешней аттрактивности — к содержательности, от массового — к элитарному.

Как свидетельство многообразия систем культурных потребностей мы отмечаем особенности художественных предпочтений аудитории мюзикла. Пристрастие к мюзиклу, как оказалось, не является проявлением любви ни к музыкальным жанрам театрального искусства, т.е. музыкальной ориентированности зрителей, ни к театру вообще. Наше исследование в Московском Театре оперетты (2014 г.) показало, что на мюзикл, как ни странно, ходят не ради музыки и даже не ради популярных исполнителей. Так, главным мотивом для посещения мюзикла «Граф Орлов» стал сюжет, история, рассказанная в спектакле, вторым — зрелищность, и только потом — актеры. Не ориентированный на театр зритель, в соответствии с обыкновением, привитым массовым кинематографом, шоу-бизнесом и СМИ, при посещении театрального представления рассчитывает на интригу, зрелищность, наличие эффектных декораций, костюмов и музыки, как непременный атрибут развлекательно-зрелищного досуга.

Рихард Вагнер как-то сказал: «Правило таково: публика хочет, чтобы ее развлекали, поэтому постарайся под видом развлечения преподнести ей твое самое заветное». Так и здесь: давая людям, часто далеким от искусства, не только развлечение и зрелище как разновидность легкого досуга, но и более интеллектуальное содержание, мюзикл вовлекает их в театральную жизнь.

Шаг 6: Сохраните свой слух

Осмелюсь предположить, что если вы увлечены каким-либо типом концертной фотографии, вы также фанат музыки в том или ином виде. В противном случае, я снимаю шляпу перед вашей заинтересованностью в данном виде фотографии, ввиду того, какой вред она может нанести вашему слуху. На концертах громко, так что вам, возможно, стоит приобрести беруши. Даже если вы купите дешевую упаковку одноразовых, я настоятельно рекомендую вам сделать это, потому что это позволит вам продолжать наслаждаться музыкой еще несколько лет после того, как вы ступите на выбранный путь.

Это очень простой шаг, который может некоторым показаться неудобным, но потерянный слух может не восстановиться со временем, так что это очень важная часть концертной фотографии. Лично я использую ушные затычки для музыкантов ER 25 от Etymotic Research, которые подходят к моему уху, принимая нужную форму, и уменьшают шум на 25 децибел. Найдите пару, которая будет вам доступна и удобна, и носите ее вместе с фотооборудованием.

Исполнение

Так как театральная постановка доносится до зрителя посредством игры артистов (актеров, певцов, музыкантов, чтецов, танцоров и иных лиц, которые поют, танцуют, произносят, декламируют, играют), у артистов-исполнителей в связи с их участием в постановке возникают смежные права на исполнение. Подчеркнем, смежные права у артистов-исполнителей возникают в отношении записанных театральных постановок. Смежные права на совместное исполнение осуществляет руководитель коллектива исполнителей, а при его отсутствии — члены коллектива исполнителей совместно (ст. 1314 ГК РФ). Однако к правам на исполнение, созданное исполнителем в порядке выполнения служебного задания, в том числе к правам на созданное в таком порядке совместное исполнение, применяются правила ст. 1295 ГК РФ.

Что такое «иммерсивный спектакль»?

Иммерсивность (от англ. immersive — создающий эффект присутствия, погружения) — совершенно точно один из главных трендов современного искусства. Иммерсивный театр – не исключение, это своего рода закономерный итог сразу нескольких тенденций в прогрессивной режиссуре и в сфере популярного городского досуга. 

Главная особенность иммерсивного спектакля — возможность создать эффект полного погружения зрителя в происходящее и вовлечь его в сюжет постановки. В любой момент участники действия могут начать прямо взаимодействовать со зрителями — актеры могут обнять вас, завязать глаза, взять за руку или отвести в другую комнату. Порой для того, чтобы вывести зрителя из зоны комфорта, достаточно просто на протяжении долгого времени смотреть ему в глаза. Отличительная черта иммерсивных постановок в том, что зрители перестают быть просто наблюдателями в зрительном зале и становятся полноправными участниками всего действия. Кстати зрительного зала в мире иммерсивного театра в традиционном смысле этого слова тоже нет, действие театра-променада развивается одновременно сразу в нескольких разных локациях. 

В случае с «Вернувшимися» действие пьесы происходит в особняке начале XIX века в Дашковом переулке в центре Москвы. Команде талантливых декораторов и художников по костюмам удалось воссоздать интерьер, впитавший в себя дух времени. В доме четыре этажа и около 50 комнат, в каждой из которых разыгрывается зачаровывающее действие, сочетающее в себе энергетику прогрессивного театра, визуальную эстетику кинематографа и поражающие воображение спецэффекты. 

Драма

История драматического театра восходит к античным временам. Это один из видов искусства, вместе с театром кукол, пантомимы, оперой и балетом. Главная отличительная черта драматического театра – действия актера сочетаются с произнесенными им словами

Сценической речи уделяется в этой разновидности жанра особенное внимание. Основой драматического спектакля является пьеса

В процессе актерской игры возможна импровизация, действие может включать танец, пение. Спектакль строится на основе литературного произведения. Главным интерпретатором пьесы или сценария является режиссер.

Довольно примечателен тот факт, что у работников театра считается, что уронить сценарий – не к добру. Если эта неприятность произошла, надо обязательно на него сесть.

Настройте свою камеру на быструю и последовательную работу

Вот как я предпочитаю настраивать свою камеру:

1. Качество изображения RAW: лучшее качество и мне не нужно беспокоиться о балансе белого;
2. Lens Stabilisation ON: это предотвратит дрожание камеры на моих снимках;
3. Кнопка задней фокусировки для AF: отсоединив функцию AF от затвора, я могу фокусироваться только тогда, когда мне нужно, и экономить время при спуске затвора;
4. C-AF: Иногда я использую непрерывный автофокус, когда объект быстро движется вверх и вниз по сцене;
5. Непрерывная съемка: если вокруг много движения, я люблю фотографировать в режиме непрерывной съемки, чтобы максимально увеличить шансы на получение хорошего изображения;
6. ISO: Обычно я работаю с ISO в диапазоне от 1600 до 2000. Некоторые люди предпочитают использовать автоматическое ISO, но мне нравится иметь изображения, которые последовательно экспонированы для данного момента шоу.
7. Замер: Мне нравится использовать точечный или центровзвешенный замер, если я не использую широкоугольный объектив, чтобы снять всю сцену.
8. Ручной режим: Мне нравится снимать в ручном режиме, если свет постоянный, например, на концерте классической музыки. В противном случае я предпочитаю снимать в режиме S и держать выдержку на уровне 1/100, по крайней мере, чтобы заморозить действие на сцене.

Шаг 1: Правильный объектив

Во-первых, вам нужен светосильный объектив. Если данный термин вам не знаком, он используется для описания объективов с максимально широкой апертурой (наименьшее диафрагменное число). Вы можете использовать зум-объектив с максимальной диафрагмой f/2.8 или «фикс» с диафрагмой f/1.8. Для большинства моих концертных снимков я использую «фикс» 50мм f/1.4.

Использование вспышки – это вариант, но полностью полагаться на него вы не можете. Многие залы, группы и журналисты придерживаются правила «никаких вспышек первые три песни», или совсем запрещают использовать вспышку. Вот почему отлично начинать с «фикса». Он позволит получать большую резкость, и имеет большую светосилу.

Познакомьтесь со зрелищем

При освещении живого выступления существует множество ограничений. Именно поэтому лучше всего изучить шоу, которое вы планируете фотографировать.
Таким образом, вы будете готовы запечатлеть самые важные моменты с наилучшего ракурса: соло музыканта, танцевальное движение, определенный акт в спектакле, выход на сцену вашего ребенка и т.д.

Посещение репетиций

Если есть возможность, попросите разрешения присутствовать на репетициях. Вы сможете наблюдать, как люди двигаются на сцене, на какой стороне сцены они находятся большую часть времени, что они делают и когда.
Воспользуйтесь этим временем и возможностью попробовать различные ракурсы, а также сделать несколько фотографий из-за кулис.
Генеральные репетиции, которые иногда называют сухими прогонами, дают вам лучшие возможности для фотографирования.
Актеры одеты так, как они будут одеты на живом спектакле, нет публики, вы можете двигаться более свободно и экспериментировать с настройками камеры и ракурсами.

Мне потребовалось несколько раз занять правильную позицию, чтобы запечатлеть действие в этой конкретной последовательности шоу.

Какова связующая нить между эфемерным искусством и фотографией?

Но как же связано театральное искусство, которое растворяется во времени, и фотография? По мнению спикера, даже несмотря на различные инновационные технологии, разработки, запечатлеть театр таким, как он есть, показать все его волшебство может только фотография.

«Единственное, что, на мой взгляд, может запечатлеть и остановить секунду и передать совершенно точно впечатления о спектакле, – это фотография. Может быть, в силу того, что она придумана как нечто документальное. И удивительно, что, несмотря на свою строгую функцию – зафиксировать, она дает возможность дышать», – подчеркнул актер.

Славутский также отметил, что спектакль каждый раз идет по одному и тому же сценарию, однако атмосфера в зале все время может быть разной – люди приходят с различным настроением, актеры чувствуют себя по-другому – на это влияет множество факторов. Однако глядя на фотографию постановки, зритель сразу может понять, о чем она, каков уровень театра, какие артисты в нем работают и даже какая пластика представлена в спектакле.

«Этот огромный объем информации может содержать одна фотография. Мы не слышим музыки, голоса актеров, не знаем их. Однако из одного кадра можно уже множество выводов сделать. Часто получается так, что делаем 500 – 1000 снимков, но главной фотографией спектакля становится всего одна», – заключил он, добавив, что работа театрального фотографа значительно отличается от репортажной съемки.

Драйверы культурной активности

Структурные особенности аудитории и ее зрительская активность ожидаемо оказались связаны с возрастом и уровнем образования: многократно подтверждено, что степень избирательности зрителей, частота посещения театра и содержательность зрительской мотивации, как правило, растут с возрастом. Наши исследования подтвердили и тот факт, что серьезное искусство в гораздо большей степени привлекает людей образованных: именно образованным в искусстве открывается то, чего не видят необразованные. Почему? Что является недостающим звеном в объяснении так часто отмечаемой связи культурной активности с возрастом, образованием, опытом потребления искусства и семейной культурной традицией, и что так долго ускользало от исследователей?