Искусство фотографии

КОМПОЗИЦИОННОЕ РАВНОВЕСИЕ

Композиционное равновесие в фотографии – это такое состояние формы, при котором все включённые в неё элементы сбалансированы между собой.

Зрительное равновесие достигается соответствующим распределением предметов и фигур в рамке кадра, распределением тональных пятен, а также смысловым взаимоотношением этих предметов и фигур.

Равновесие (или баланс) — является одним из наиболее важных элементов композиции, и в то же время одним из самых трудных для описания. Ведь по сей день нет стандартного способа его определения, хотя, есть несколько хороших рекомендаций и стратегий, которые помогут вам достичь баланса в ваших фотографиях. Но, помните, что они как и всё в искусстве — это вопрос личного предпочтения.

Простейшим примером композиционного равновесия является симметрия, в которой одна половина фотографии отражает другую половину. При этом, необходимо помнить, что визуальное равновесие по горизонтали гораздо важнее для восприятия, чем вертикальное. Другими словами, несмотря на то, что все основные объекты будут находиться в нижней или верхней части кадра, изображение будет казаться сбалансированным, при условии, что справа и слева кадр заполнен примерно одинаково.

Фото: «Фламинго» Steve AllenStone

Этот тип баланса фотографу очень легко скомпоновать, а зрителю понять. Так что, он может быть использован для создания очень мощного эффекта. Тем не менее, существуют две основные проблемы, связанные с использованием симметрии в качестве композиционной стратегии:

во-первых, создание сильной композиции с симметрией обычно требует идеальной симметрии, поэтому относительно небольшие различия в одной половине изображения могут быть разрушительными для уравновешенности снимка;
во-вторых, и, возможно, более важно то, что симметричные композиции обычно очень просты, предсказуемы и могут получиться скучными.

Фото: Guerel Sahin

Фото Matthew Gore Национальный парк Гранд-Титон, США

Искусство в средних веках

Люди этих времен сосредотачивали свой взор на библейских сюжетах и духовных истинах. В средних веках они уже не задавались вопросом о том, нужно ли искусство человеку, ведь ответ был очевиден. В живописи или мозаике использовался золотой фон, а люди изображались с идеальными пропорциями и формами тела. Художество различного рода проникало в сферу архитектуры, строились красивые статуи. Людей не интересовало, что такое настоящее искусство, они просто создавали собственные прекрасные произведения. Некоторые исламские страны приписывали таким творениям божественную силу. Народ из Индии использовал искусство для религиозных танцев и скульптуры. Китайцы предпочитали бронзовые скульптуры, резьбу по дереву, поэтику, каллиграфию, музыку и живописные рисунки. Стиль этого народа каждую эпоху изменялся и носил названия правящих династий. В XVII веке в Японии распространялась гравировка по дереву. Вот к этому времени люди уже знали, что такое настоящее искусство. Ведь оно уже серьезно влияло на воспитание полезной личности для общества. А также служило хорошим отдыхом и расслаблением.

Многогранники

Многогранник — это трехмерное тело, гранями которого являются многоугольники.
Существует всего пять правильных многогранников, у которых все стороны являются
правильными многоугольниками и все вершины одинаковы. Они известны как многоугольники Платона
или Платоновы тела. Также существует 13 выпуклых многогранников, гранями которых являются
один, два или три правильных многоугольника, и у которых все вершины одинаковы.
Они известны как тела Архимеда. Кроме этого существует бесконечное множество призм и антипризм
с гранями в виде правильных многоугольников. Эшер использовал многогранники во многих
своих работах, включая «Рептилии» (1949), «Двойной планетоид» (1949) и «Гравитация» (1952).

Резюме

В этой статье мы попробовали показать вам на некоторых реальных примерах варианты использования различных пропорций, соотношения сторон фотографического кадра. Конечно же, мы прекрасно понимаем, что эти наши сегодняшние рекомендации далеко не идеальны (идеальным в искусстве ничего быть не может в принципе). Конечно же, они не могут быть подходящими для всех сюжетов, для пейзажей любого вида. Для каких-то фотографий, возможно, лучшим будет соотношение сторон, коренным образом отличающееся от тех, которые мы сегодня описали

Но всё же, хочется думать, эти основы теории соотношения сторон любого изображения на плоскости (неважно, в какой технике оно выполнено – живопись, графика или фотография. Это не играет в данном случае никакой роли) заставят вас хотя бы немного задуматься во время работы над вашим очередным пейзажем

А думать об этом нужно еще до того, как вы нажали спусковую кнопку затвора вашей фотокамеры. Не нужно снимать пейзаж бездумно. Пейзаж никогда не получится красивым, если вы не будете думать над ним.  Если вы будете снимать впопыхах, вытащив фотоаппарат из сумки, едва увидев перед собой красивую опушку леса или благоухающую цветочную поляну, вряд ли добьетесь успеха. Если вы усвоите для себя, что соотношение сторон фотографического кадра не намертво привязано к модели вашей фотокамеры, это даст вам возможность эффектно пользоваться знанием этих законов. И ваши пейзажи станут завораживающе красивыми и впечатляющими зрителя.   

Формальная композиция. Приемы

Доминанта

Доминанта – это главный элемент композиции, которому подчиняются все остальные. На рисунке Кроме цвета и размера доминанта также может выделятся своей необычной формой.

Симметрия

 — равномерное размещение элементов по оси, делящее пространство на равные части. В симметричной композиции расположение элементов относительно оси должно быть одинаковое.

 — неравномерное размещение.

Динамичная композиция

— композиция, при которой создается впечатление движения и внутренней динамики. Для выражения динамики можно пользоваться диагональными линиями, ассимитричной компоновкой объектов.

Статичная композиция

(статика в композиции) — создает впечатление неподвижности. Предполагает отсутствие диагональных линий и криволинейных поверхностей. Композиция строится на преобладании горизонтальных элементов.

Ритм

— это чередование каких-либо элементов в определенной последовательности. Ритм окружает нас повсюду: в природе это – смена временен года, смена дня и ночи, городе – это сменяющийся ритм зданий, домов. Ритм подразумевает движение, которое может быть продлено до бесконечности, задается многократным повторением.

Контраст

Контраст (фр.) — противопоставление в композиции (по цвету, фактуре, по форме, по размеру и т.д.).Контраст, это не только лобовое противопоставление «черного» и «белого». Он может иметь ступени, оттенки, градации. Но пределы все-таки существуют, нижний это «почти одинаковость», а верхний, это бессвязность.

Одномерный контраст – контраст только по одному параметру, например по форме

Многомерный контраст – контраст по нескольким параметрам сразу: например, форма и цвет

Нюанс

Нюанс (фр.) – тонкое различие, едва заметный переход. Различают нюансы по форме, размеру, цвету, фактуре и т. д

Нюансировка не вводит никаких новых принципов или материалов. Нюансы можно сравнить с внешней отделкой здания, к которой переходят когда уже готов фундамент и возведены стены.

Лишенная нюансов и окончательной отделки композиция может показаться интересной только на первый взгляд, при более подробном рассмотрении, станут заметны острые углы, неплотная подгонка частей, однообразие – все это производит впечатление неряшливости. И наоборот, обнаруживая все новые и новые детали, запрятанные дизайнером, мы получаем интеллектуальное удовольствие. Большинство этих открытий происходит подсознательно – мы не можем отследить какие сложные подсчеты и сравнения проводит наш мозг, рассматривая понравившийся нам объект, и потому не всегда можем понять, почему он нам нравится.

Акцент

Акцент — (лат. «ударение») – выделение, подчеркивание элемента, служит для выражения большей выразительности композиции. Чаще всего акцент выделяют цветом, формой (обычно малой, иначе акцент превратится в доминанту.)

Аналог

Аналог (греч. «сходство») – уподобление (одинаковые или похожие друг на друга элементы в композиции). Аналоги придают композиции единство. Чаще всего бывают по цвету, форме, фактуре.

 Елена Лебедева, графический дизайнер solla.site, преподаватель компьютерной графики

Так же Вам будет интересно: 

• Колористика
• Нарисовать логотип. Классификация логотипов
• Цветовые модели CMYK и RGB в компьютерной графике
• Курсы дизайна в Калининграде
• Стиль гранж
• Футуризм в веб-дизайне
• Журнальный стиль сайта
• Мультяшный стиль сайта
• Ретро стиль в веб-дизайне

Фракталы

Фрактал — это объект, повторяющий сам себя в различных масштабах, которые связаны
математическим способом. Фракталы формируются итерационно, многократно повторяя
вычисления так, что получается объект высокой сложности с множеством
мелких деталей. К сожалению, фракталы как таковые были недоступны Эшеру,
потому что были формализованы и выделены в отдельную область математики
лишь после его смерти. Эшер очень интересовался
изображением бесконечного в
пределах конечной области, в частности бесконечными тесселляциями.
Он использовал сжимающиеся координатные сетки и гиперболическую геометрию
для достижения этого эффекта, как показано в картинах «Предел круга» I-IV (1958-1960) и
«Предел квадрата» (1964). Ниже приведены примеры современных художников
Кэри Митчелл (Kerry Mitchell) и Роберта Фатауэра (Robert Fathauer).

Kerry Mitchell «Будда» — компьютерная картина основанная на множестве
Мандельброта, исследованного Бенуа Мандельбротом (Benoit Mandelbrot)

Robert Fathauer «Композиция кругов» (2001) — не является вычисляемым
фракталом, однако может быть получен графически, упаковывая
меньшие круги в больших.

4. Заключение

Математические изобразительное искусство процветает сегодня, и
многие художники создают картины в стиле Эшера и в своем собственном стиле.
Эти художники работают в различных направлениях, включая скульптуру,
рисование на плоских и трехмерных поверхностях, литографию и
компьютерную графику. А наиболее популярными темами математического
искусства остаются многогранники, тесселляции, невозможные фигуры,
ленты Мебиуса, искаженные системы перспективы и фракталы.

Литература

M. C. Escher — His Life and Complete Graphic Work, by F.H. Bool, J.R. Kist, J.L. Locher, and F. Wierda (Harry N. Abrams, New York, 1982).

The Magic Mirror of M. C. Escher, by Bruno Ernst (Ballantine Books, New York, 1976).

Visions of Symmetry — Notebooks, Periodic Drawings, and Related Works of M. C. Escher, by Doris Schattschneider (W.H. Freeman and Co., New York, 1990).

«Fractals and an Art for the Sake of Science,» Benoit B. Madelbrot, in The Visual Mind, ed. by Michele Emmer (MIT Press, Cambridge, 1993).

Англоязычный источник http://members.tripod.com/vismath6/fath/Перевод Влада Алексеева

Закон равновесия в композиции

Наверняка слышали такую фразу – «надо бы уравновесить предметы справа» ну или слева там, например. Смысл равновесия состоит в том, чтобы гармонично расположить количество цветовых пятен, количество предметов на листе. То есть, чтобы у Вас был не хаос, а какой-то порядок, гармония.
Все тот же натюрморт.
Светящиеся белизной предметы не просто центры композиции, они друг друга уравновешивают, один более яркий, другой вторит ему приглушенно.
«Девочка с персиками» В.Серова.
На переднем плане желто-розовые яркие персики с сухими листьями, а сзади окно с золотистым осенним пейзажем, как они хорошо гармонируют. Они вместе с персиком в руках и розовым лицом составляют единую угловую линию, выведенную цветом.
Кажется, что это все случайность, но на самом деле это что ни на есть чувство гармонии и баланса, которое развито у художников.
У Пиранези композиционный центр – кусочек неба, какой он яркий по сравнению со всем остальным! Он бы так и остался неким одиноким пятном, на котором взгляд бы застрял. Но нас манит галерея со светом в конце, этот свет вторит голубому пятну в своде.

И Шишкин.
Три группы деревьев, разных по массе. Почему справа самая большая масса, в центре самая маленькая и с краю средняя? Да простит меня Шишкин, опять проведу эксперимент. Может так более гармонично?
Или так?
Видимо, три группы сосен, во-первых, очень хорошее число, во-вторых, разнообразие в размерах и именно такое чередование делает композицию более интересной, живой и естественной.

Глубина резкости

Контроль того, какая часть фотографии находится в фокусе, — это еще один аспект фотографии, который ваши глаза, естественно, не делают. Если у вас хорошее зрение, вы увидите большую часть того, что находится в вашем поле зрения с резким фокусом. Использование камеры для управления тем, что находится в фокусе вашего кадра, — прекрасный творческий аспект фотографии.

Существует множество факторов, которые позволяют вашей фотокамере делать фотографии, в которых часть вашего изображения находится в резком фокусе, а некоторые — нет. Этими факторами являются ваш объектив и его диафрагма, размер сенсора вашей камеры и расстояние между вашей камерой, объектом и фоном. Достижение хорошего баланса этих факторов даст вашим фотографиям качество, которое вы никогда не увидите глазами. Четко сфокусированная зона на фотографии называется глубиной резкости.

«Обратное граффити»

Paul «Moose» Curtis

Как и рисование на грязных машинах, «обратное граффити» предполагает создание картины с помощью удаления лишней грязи, а не с помощью добавления краски. Художники часто используют мощные моечные установки, позволяющие удалить грязь со стен, и в процессе создать прекрасные образы. Началось всё это с художника Пола «Муза» Кертиса, который нарисовал свою первую картину на чёрной от никотина стене ресторана, в котором он мыл посуду.

Paul «Moose» Curtis

Другой заметный художник — Бен Лонг из Великобритании, он практикует несколько упрощённую версию «обратного граффити», используя собственный палец для удаления грязи со стен, скопившейся там из-за выхлопов машин. Его рисунки держатся на удивление долго, до шести месяцев, при условии, что их не смоет дождь или не уничтожат вандалы.

Ben Long / mediacentre.kallaway.co.uk

Следует отметить, что «обратное граффити» — искусство достаточно спорное. У того же Кертиса, например, уже было несколько стычек с полицией, которые он сравнивает с «арестом человека, ковыряющегося палкой в песке».

«Портретный» режим

Сегодня мы намеренно рассказали вам в этой статье о том, какие существуют варианты соотношения сторон фотографического кадра в «пейзажном» формате. А вот в «портретном» формате, как нам кажется, вариантов для создания удачного пейзажа в несколько раз меньше. Для того, чтобы пейзаж, созданный в формате портрета, выглядел прилично, необходимо, прежде всего, сбалансировать композицию кадра. Соотношение сторон, близкое к 6:4, строит нам в этом деле серьезные препятствия. И всё потому, что высота снимка в этом формате значительно больше его ширины. Если вы хотите добиться, чтобы вертикальный пейзаж был по настоящему хорошим, то постарайтесь «заключить» его в более широкий кадр. Ну, например, 3х4, 6х7 или лучше всего 4х5. Последний из упомянутых форматов обычно любят опытные профессионалы, которые работают среднеформатными и широкоформатными фотокамерами. Пропорции 4х5 оставляют в пейзаже довольно мало места для неба. А небо способно испортить в кадре композиционный баланс.

Морская тематика

Морские пейзажи представляют прежде всего раннюю голландскую живопись. Изобразительное искусство этой страны дало начало самому жанру марина. Для него характерно отражения моря во всех ипостасях. Художники-маринисты рисуют бурлящую стихию и безмятежную водную гладь, шумные сражения и одинокие парусники. Первая картина этого жанра датируется шестнадцатым веком. На ней Корнелис Антонис изобразил португальский флот.

Хотя марина и является больше жанром живописи, найти водные мотивы можно не только на картинах. Например, декоративно-изобразительное искусство часто используют элементы морских пейзажей. Это могут быть гобелены, украшения, гравюры.

Искусство и его роль в жизни человека

“Искусство никогда не оставляло человека, всегда отвечало его потребностям и его идеалу, всегда помогало ему в отыскивании этого идеала, — рождалось с человеком, развивалось рядом с его исторической жизнью.” Федор Михайлович ДостоевскийИскусство – это творческое отражение действительности в художественных образах; система способов художественного отображения окружающего человечество мира. Невозможно представить мир, в котором искусство не сопутствовало бы человечеству. Где и когда бы ни жил человек, он стремится постичь и воспроизвести окружающий его мир, стремится передать своё понимание мира другим людям. И наскальные рисунки, и картинка, обработанная в графическом редакторе, служат для передачи восприятия окружающего мира художником.

Искусство — это одна из важнейших ступеней развития общества, которое мы можем видеть сейчас. Оно даёт человеку возможность наблюдать мир с разных точек зрения и посмотреть на привычные вещи с другой стороны, понять, как видел мир человек много столетий назад, как видит его ребёнок или человек культуры, отличной от нашей, пережить те эмоции, которые вложил в свою работу автор.

Мы всё время встречаемся с произведениями искусства в повседневной жизни. Продукты творческой деятельности позволяют человеку испытывать эмоции, проникаться чувствами автора. Посещая театры, выставки, музеи, мы полагаем познакомиться с тем миром, который доступен художнику, научиться замечать и понимать вещи, окружающие нас, которые не видели раньше, а также найти в произведениях себя, свои идеи и мысли, тем самым приобщившись к искусству.

При знакомстве с произведениями искусства у человека развивается эстетический вкус, порождая способность субъективно оценивать события и явления, отталкиваясь от своих чувств и мировосприятия, эстетических и этических взглядов.

Сейчас существует множество самых различных направлений в искусстве от абстракционизма до реализма, так как каждое поколение вносит свой вклад в развитие искусства, обогащая его.

В конечном итоге искусство играет важную роль, как в обществе, так и для каждого человека в частности. Оно меняет жизнь людей и целых поколений, приобщает к прекрасному.

Каким образом искусство воздействует на подсознание?

Даже когда наше сознание занято чем-то другим, подсознание продолжает работу в своем, только ему известном направлении. Мы легко можем сказать, нравится или не нравится нам песня, не вникая в наличие или отсутствие глагольной рифмы или правильность подбора аккордов для данной тональности.

Мы почти сразу определяем для себя, нравится или не нравится нам картина, даже не зная названия, автора, и не разбираясь в нюансах подбора цвета и техники нанесения изображения. И нам практически все равно, насколько достоверным является сюжет фильма или спектакля, если он нас цепляет. Это потому, что над всем этим поработало Его Величество Подсознание.

Итак, каким же образом работает искусство с подсознанием:

1. Искусство способствует развитию эмпатии и умению сопереживать. Это исключительно эмоциональные состояния, которым тяжело обучиться. Произведение искусства буквально заставляет нас поставить себя на место другого человека и ощутить его эмоции.
2. Искусство расширяет наш спектр эмоций. Мы сочувствуем попавшим в беду героям, даже если сюжет выдуман, мы ненавидим подлецов и злодеев, если таковыми они представлены в произведении искусства. Эти эмоции могут быть заметно сильнее, чем в обычной, особенно уже налаженной в плане семьи, быта и работы жизни.
3. Искусство влияет на содержание гормонов стресса в организме. Известен эксперимент, когда перед и сразу после посещения святилища Девы Марии в Викофорте все участники экскурсии сдали на анализ слюну. Оказалось, что после экскурсии уровень гормона стресса кортизола был в среднем на 60% меньше.
4. Искусство учит думать, т.е. пользоваться своим мыслительным потенциалом. Даже если вы думаете о произведении искусства и его авторе очень плохо, вы все равно в этот момент думаете. Даже если вы не планировали думать, а просто пошли в музей или на концерт, чтобы развеяться.
5. Искусство влияет на интеллект, т.е. способность мыслить как таковую. Чаще всего подобные исследования проводят с использованием музыкальных произведений. Результаты, в целом, сходны. Студенты и школьники, слушавшие классику (особенно Моцарта!) перед выполнением тестовых заданий, справляются с тестами лучше, чем слушавшие рок-музыку.

К слову, вопреки долго господствовавшему заблуждению, рок-музыка позитивно влияет на психику (не на интеллект!) человека. В Университете Квинсленда в Австралии провели исследование, в ходе которого участникам задавали провокационные вопросы, способные их разозлить. Время от времени участникам включали пост-панк, хэви-метал и прочую агрессивную музыку. Оказалось, во время звучания все 39 участников эксперимента реагировали на раздражающие их вопросы спокойнее, чем без музыки.

И, кстати, гормон удовольствия дофамин усиленно вырабатывается в любом случае, когда мы слушаем ту музыку, которая нам нравится. Это было подтверждено итогами исследования с участием студентов Университета Макгилла (Канада, Монреаль, Квебек). В этом случае студентам разрешили самим выбрать музыкальное произведение, которое вызывает у них максимум положительных эмоций. Уточним, что для эксперимента были отобраны студенты, имеющие музыкальную подготовку минимум 8 лет, т.к. музыкально образованные люди реагируют на музыку острее, а методы позитронно-эмиссионной томографии дают более точный результат.

Итак, вот они, основные факторы, позволяющие оценить влияние искусства на психику и подсознание. А еще лучше узнать себя и понять глубинные механизмы влияния окружающей среды на психику вам поможет онлайн-программа «Психическая саморегуляция», рассчитанная на полтора месяца. Этого достаточно, чтобы научиться осознанно регулировать свое психическое состояние, использовать адекватные механизмы воздействия на сознание и подсознание для разных ситуаций.

А собственно познавательный и образовательный аспект искусства, делающий нас культурнее и интеллигентнее, не подлежит сомнению. Поэтому пользуйтесь любой возможностью прикоснуться к волшебному миру искусства.

Мы желаем вам много новых волшебных открытий!

Советуем также прочитать:

• Сторителлинг
• Роль искусства в развитии детей
• Как метафоры меняют наше отношение к собственному опыту
• Способы научиться ценить искусство
• Массовое сознание и манипуляция им
• Методы арт-терапии
• «Руки противятся ему». История картины, вызывающей синдром Стендаля
• 5 вопросов для самых умных
• «Кради как художник» — десять советов для любого вида творчества
• Подборка материалов по лидерству
• Синдром Стендаля

Ключевые слова:1Когнитивистика, 1Психорегуляция

Искаженные и необычные перспективы

Необычные системы перспективы, содержащие две или три исчезающие точки, также являются
излюбленной темой многих художников. К ним также относится родственная область —
анаморфное искусство. Эшер использовал искаженную перспективу в нескольких своих работах
«Наверху и внизу» (1947), «Дом лестниц» (1951) и
«Картинная галерея» (1956).
Дик Термес (Dick Termes) использует шеститочечную перспективу для рисования сцен на
сферах и многогранниках, как показано на примере ниже.

Dick Termes «Клетка для человека» (1978). Это разукрашенная сфера, в процессе
создания которой использовалась шеститочечная перспектива. На ней изображения
геометрическая структура в виде сетки, сквозь которую виден ландшафт.
Три ветки проникают внутрь клетки, а также по ней ползают рептилии.
В то время как одни изучают мир, другие обнаруживают себя, находящимися в клетке.

Слово анаморфный (anamorthic) сформировано из двух греческих слов «ana» (снова) и
morthe (форма). К анаморфным относятся изображения настолько сильно искаженные, что
разобрать их без специального зеркала бывает невозможно. Такое зеркало иногда
называют анаморфоскопом. Если смотреть в анаморфоскоп, то изображение
«формируется снова» в узнаваемую картину. Европейские художники раннего Ренессанса
были очарованы линейными анаморфными картинами, когда вытянутая картина становилась
снова нормальном при обзоре под углом. Известный премер — картина Ханса Хольбейна (Hans Holbein)
«Послы» («The Ambassadors») (1533), в которой изображен вытянутый череп.
Картина может быть наклонена в верхней части лестницы так, что люди, поднимающиеся
по лестнице будут напуганы изображением черепа. Анаморфные картины, для просмотра
которых необходимы цилиндрические зеркала, были популярны в Европе и на Востоке
в XVII-XVIII веках. Часто такие изображения несли сообщения политического протеста
или были эротического содержания. Эшер не использовал в своей работе классические
анаморфные зеркала, однако, в некоторых своих картинах он использовал сферические
зеркала. Самая известная его работа в этом стиле «Рука с отражающей сферой» (1935).
Пример ниже показывает классическое анаморфное изображение работы Иштвана Ороса (Isvan Orosz).

Istvan Orosz «Колодец» (1998). Картина «Колодец» полученая печаться с гравюры
по металлу. Работа была создана к столетию со дня рождения М.К. Эшера.
Эшер писал об экскурсиях в математическое искусство, как о прогулся
по прекрасному саду, где ничто не повторяется. Ворота в левой части картины
отделяют эшеровский математический сад, находящийся в мозге, от
физического мира. В разбитом зеркале в правой части картины
присутствует вид маленького городка Атрани (Atrani) на побережье Амалфи (Amalfi) в Италии.
Эшер любил это место и прожил там некоторое время. Он изобразил этот
город на второй и третьей картинах из серии «Метаморфозы». Если поместить
цилиндрическое зеркало на место колодца, как это показано справа, то в нем,
как по волшебству, появится лицо Эшера.